Караваджо Вакх опис. Алекскндр Махов. Давид з головою Голіафа, Караваджо

Його називають реформатором європейського образотворчого мистецтва XVII століття, які зробили багато нового в панував до цього стиль. Якщо раніше образи на панували в той час релігійних полотнах идеализировались, то з появою Караваджо в їх зображенні став використовуватися максимальний натуралізм. Він одним з перших застосував новий метод письма «кьяроскуро» - різке протиставлення світла і тіні. Реалістичність прописаних образів робила античних богів, християнських святих і мучеників ближче до світу живих людей, в них яскраво читалися індивідуальність і характер, що знижувало їх пафос, робило мистецтво більш «демократичним». Всі деталі, навіть другорядні, виконувалися вкрай ретельно, що створювало ефект реальності, «відчутності». Караваджо вніс значний вклад в розвиток нових для мистецтва того часу напрямків - побутового жанру і натюрморту, раніше належали до «низьких» жанрів.

Примітно, що, створюючи свої складні композиції, художник не використав ескізи і замальовки, відразу реалізовуючи задум на полотно.

Крім унікального таланту художник був неординарною особистістю зі складним характером. Сама історія його життя - мальовниче полотно, повне контрастів: творчі злети і успіхи є сусідами з дуелями, бійками і пияцтво, а за присвятою в лицарі йдуть тюремні ув'язнення, втеча з Риму через вбивство, поневіряння по різних містах Італії і смерті у віці 37 років від малярії в самоті і печалі.

Починаючи свій творчий шлях з бідування в Римі: випадкових заробітків і дописування картин визнаних майстрів, Караваджо досяг престижного положення і домігся однозначного схвалення своїх робіт за життя, з чим не завжди щастило багатьом талановитим майстрам. Йому давали безліч замовлень.

Варто зауважити, що не завжди замовники розуміли новаторство художника: деякі роботи через невідступно слідування правді життя і зображення тіла у всій природності вважалися непристойними, однак це не завадило продавати відкинуті роботи освіченої публіки, високо ценившей талант живописця.

«Вечірка» згадує 6 найбільш значущих картин великого художника, виконаних в різних жанрових напрямках.

1. Релігійний живопис: "Положення в труну" (1602-1604).

Одне з найбільш монументальних творів художника. Картина призначалася для вівтаря римської церкви К'єза Нуова. Довгий час вона вважалася найголовнішим шедевром художника. У 1797 році французи відвезли її в Париж в музей Наполеона. У 1815 році полотно було повернуто і з 1820 року воно знаходиться в Пінакотеці в Ватикані.

До біблійними сюжетами Караваджо прийшов в своєму більш зрілому творчості. У них художник знаходив драму сучасного буття. Навмисно досить буденно трактуючи високі образи, відходячи від піднесеної краси і героїзму, він намагається підняти сувору дійсність до рівня легенди, міфу. І навпаки, спустити пишномовність релігійних героїв до драми народного життя, а оплакування Христа - до події, зрозумілому всім.

В особах, позах і жестах персонажів немає ні найменшого натяку на патетику і піднесені почуття. Герої Караваджо поводяться природно, як звичайні, прості люди. У щирому горі вони схилили свої голови, як ніби зігнулися під вагою навалився на них нещастя. Завдяки кутку зору глядач ніби включений в картину. Контраст яскравого потоку світла і темної частини картини підкреслює скорботну виразність всього полотна.

Ось деякі персонажі композиції. Тіло Христа підтримує молодий Іоанн Євангеліст, якому перед смертю Ісус доручив турботу про свою матір. Ноги Спасителя притримує Йосип Аримафейський; ця людина домігся дозволу зняти тіло Христове з хреста і потім поклав його в труну, приготований їм для себе. З жінок крайня зліва - мати Ісуса, Діва Марія.

2. Міфологічна живопис: "Вакх" (1592-93)

Дана картина також відмінно відображає новаторський стиль Караваджо, його нестандартний підхід до трактування сюжетів: його Вакх жодним чином не нагадує недоступне пафосне божество. Навпаки він виглядає максимально наближеним до реального молодій людині: зніжений і частково вульгарний юнак, напівп'яний на вигляд, який повернув до глядача своє пухке женоподібна особа і простягає кубок з вином витончено вигнутими пальцями, «прикрашеними» товстим шаром бруду під нігтями. Ретельно прописані деталі показують всю натуралістичність образу. Фрукти і графин на картині залучають мало не більше уваги, ніж сам Вакх. Серед плодів айва, виноград, гранат, яблука зі слідами гусениць. Фрукти, більшість з яких представлено в зіпсованому, малос'едобнимі стані, як вважають критики, уособлюють тлінність мирської суєти.

Автор ніби промовляє, що це зовсім не Вакх, а якась зовсім ординарна особистість, яка надягла на себе атрибути античного Бога і дивиться на глядача важким і в той же час настороженим поглядом з-під примружених вій. Однак чуттєве чарівність картини настільки велике, що глядач не відчуває ні краплі іронії чи негативу.

Це полотно відмінно відображає фірмову рису художника - відображення святково - ігрового начала і навіть еротичного підтексту в античних сюжетах.

Картина зберігається в галереї Уффіці у Флоренції.

3. Портретний живопис: "Лютніст" (1595)

Ця картина візуально добре знайома навіть тим, хто не знайомий з творчістю художника. «Юнак з лютень» (друга назва картини) - ранній твір художника, але вже в ньому в повній мірі проявилися всі особливості художньої мови майстри, його прагнення передати матеріальність навколишнього світу.

На картині зображено музику, грає на лютні. Його фігура, одягнена в білу сорочку, чітко виділяється на темному тлі стіни. Натхненне обличчя музиканта, з напіврозкритими губами і вологим блиском в мрійливих очах вносить в побутову сцену поетичний настрій і здоровий наліт чуттєвості. Ефекти освітлення ще більше підкреслюють святкову і ліричну атмосферу музикування.

Що лежить перед музикантом скрипка зі смичком немов запрошує глядача приєднатися до виконавця і зіграти дуетом. Зліва на столі лежать фрукти і овочі, трохи далі в глибині видно ваза з квітами. Різке бічне освітлення, власні і падаючі тіні надають предметів майже відчутну об'ємність і вагомість. Більш того, предмети натюрморту також мають свої індивідуальні характеристики: пошарпані ноти, лютня з тріщиною, пом'ята груша.

Цікаво, що суперечки про те, якої статі герой картини Караваджо, не припиняються з XVII століття. Однак, сам автор говорив, що для цієї (та інших) картини позував його улюбленець Маріо Мінніті, з яким той жив у молодості в Римі. У роботах цього циклу любовне почуття символічно передається через образи плодів (як би запрошують глядача насолодитися їх смаком) і музичних інструментів (музика як символ швидкоплинного чуттєвої насолоди)

Приємний факт, що картина зберігається в Санкт-Петербурзі, в Ермітажі.

4. Автопортрет: «Хворий Вакх» (1573-1610)

Незважаючи на повторне звернення до міфологічної тематики, цей шедевр раннього періоду творчості Караваджо, відноситься до автопортретам художника. У картині, написаної після його перебування в лікарні, проявилися перші ознаки драматизму, яким відзначено зріла живопис майстра. Пробувши довгий час між життям і смертю, він потім нерідко звертався до цього стану в своїх полотнах.

Назва виникла пізніше, коли в особі одужує від хвороби юнака, зображеному на полотні, визнали бога виноробства Вакха. Картина була написана в період життя Караваджо  в Римі. Не маючи можливості заплатити натурника, художник змалював для картини своє дзеркальне відображення. Це дозволило нащадкам створити уявлення про його зовнішність.

Тему тлінність буття молодий Караваджо обігрує дуже майстерно: в самому колориті з холодними, зеленувато-синіми тонами майже фізично відчувається стан ознобу, яким охоплено молода людина. Грецький бог вина і веселощів сидить в тому самому вбранні, в якому художник зобразить його пару років тому на картині, про яку ми розповідали вище, що знаходиться нині в галереї Уффіці: біла накидка схоплена темним поясом, зав'язаним бантом. Але якщо Вакх на полотні з Уффіці зображений здоровим, квітучим і заклично грає кінцем свого пояса, то цей слабкий і не думає нікого дражнити або веселити. На голові у нього - наполовину зів'ялий вінок, сплетений зовсім не з виноградного листя, як годиться. І взагалі це не Вакх, а смертний, вбравшись їм, немов би говорить художник, спускаючи нас з небес на землю.

Зараз твір знаходиться в зборах галереї Боргезе в Римі.

5. Побутова живопис: «Шулери»  (Близько 1596р.)

Як вже говорилося, Караваджо - один із засновників жанрового живопису. Карткова гра - досить часто повторює тема в його творчості (він і сам був пристрасним гравцем, і в одній з ігор і зав'язалася бійка, яка спричинила вбивство, після чого художник змушений був тікати).

За грубим дерев'яним столом йде карткова гра, Одна з різновидів старовинного покеру. Зліва молодий і, судячи з усього, недосвідчений гравець уважно розглядає свої карти. Через його плече туди ж дивиться середніх років чоловік, один з шулерів. При цьому пальцями правої руки  він подає таємний знак свого напарника, який сидить навпроти і ховає за спиною п'ятірку черв'яків. Зліва на передньому плані в коробці височить стовпчик, складений з монет, - предмет жадання нечистої парочки.

Картина сповнена внутрішнього динамізму, характери гравців ретельно прописані і створюють враження про їх особистості.

У 1627 році після смерті власника полотна кардинала дель Монте картина «Шулери» була інвентаризувати серед іншого його майна, але потім була загублена. Місцезнаходження картини було невідомо протягом довгих років, вона була випадково виявлена ​​в європейській приватної колекції лише тільки в 1987 році. В даний час полотно перебуває в музеї Кімбелл.

6. Натюрморт: «Кошик з фруктами»  (Бл. 1596 г.)

Картина є знаковою, бо до Караваджо, по суті, натюрмортів «в чистому вигляді» в європейському живописі не існувало. Після Караваджо цей жанр набув великої популярності. Щоб компенсувати «бідність сюжету», Караваджо вдається до ілюзіоністського прийому, який допомагає надати велику монументальність самого предмета, зображеного на картині. Кошик знаходиться на рівні очей глядача, і край столу відмежовує простір зображення від зовнішнього простору. Однак, зобразивши кошик стоїть на столі лише частиною свого заснування, художник домігся враження, що кошик, частково «зійшовши» з полотна, вторглася в простір глядача. А в зображенні фруктів художник досяг майже відчутною об'ємності.

Картина зберігається в Пінакотеці Амброзіана в Мілані.

Цікаві факти

Відданість Караваджо реалізму іноді заходила дуже далеко. Таким крайнім випадком є ​​історія створення полотна «Воскресіння Лазаря». Посилаючись на свідчення очевидців, літератор Сузінно розповідає, як у відведений під майстерню просторе приміщення при госпіталі братства хрестоносців художник наказав принести викопане з могили тіло недавно убитого хлопця і роздягнути його, щоб добитися більшої достовірності при написанні Лазаря. Двоє найнятих натурщиків навідріз відмовилися позувати, тримаючи в руках вже почав розкладатися труп. Тоді, розсердившись, Караваджо вихопив кинджал і примусив їх силою підкоритися його волі.

Лютніст, Мікеланджело Мерізі да Караваджо

«Лютніст» - портрет одного Караваджо, міланського музиканта Галлюс, з яким він познайомився під час своїх поневірянь.

Юнак з кошиком фруктів, Мікеланджело Караваджо

Художник, який вплинув на всю європейську живопис, починав з картин, зазначених світлим колоритом і ліричним настроєм. У молоді роки Караваджо  жив у багатого мецената, папського прелата монсеньйора Пандольфо Пуччі, а пізніше - у живописця кавалера д "Арпіно і писав важких, прекрасних юнаків, то музицирующих, то тримають в руках квіти або фрукти і дивляться на глядача з-під напівприкриті століття. Один з таких персонажів зображений на цьому полотні.

У картині присутній чуттєвість, якою відзначені подібні полотна майстра раннього періоду: симпатичний вуличний хлопчисько прийняв красиву позу, трохи закинувши голову, спустивши сорочку з одного плеча і м'яко притиснувши до себе кошик. Але якщо вигляд людини ще ідеалізовано, то в представленому тут натюрморті проявився талант Караваджо-реаліста, скоро щосили заявив про себе. Художник вміло виписав не тільки оксамитову шкіру персиків і глянсувату яблук, але і темні цятки на плодах і підсохлі листя.

Картина Музиканти, Мікеланджело Мерізі да Караваджо

У період написання цієї роботи Мікеланджело да Караваджо був ще молодий і, незважаючи на свій зухвалий характер, вів досить спокійне життя в будинку свого покровителя кардинала Фран-Ческо Дель Монте. Час драматичних подій у долі художника і його виконаних страстей, боротьби світла і темряви полотен, які нададуть сильний вплив на всю європейську живопис, ще не настав. Картини його поки світлі і ліричні. У них нерідко шанувальників, як в представленому творі, в якому квітуча юність і піднесене мистецтво зливаються в гармонії.

Музикант, який сидить на полотні спиною до глядача, розкрив партитуру. На ній видно напис, яка повинна точніше пояснити те, що відбувається. Це частий прийом у творчості Караваджо, але ніхто поки не зміг прочитати писання. Хлопчик з ріжком на задньому плані - найбільш ранній з автопортретів художника, який не раз буде зображувати себе на своїх картинах, і це останній автопортрет Караваджо, на якому ми бачимо його безтурботним.

У «Музиканти» ще чутно подих Ренесансу. Але в щільній і складної композиції твору, в закручених тканинах одягу і драпіровок відчуваються ті напруга і легка нервове тремтіння, які відрізняють мистецтво бароко.

Картина Вакх, Мікеланджело Караваджо

Що стояв біля витоків бароко, Караваджо (1571-1610) написав цю картину в ще відносно спокійний період свого життя. Звідси і вибір теми - Вакх, грецький бог вина і веселощів, в образі якого майстер показав юнака з важким поглядом, ласкавим жестом простягає глядачеві келих з вином.

Його сильне, мускулисте тіло пашить здоров'ям, на щоках грає ніжний рум'янець, пухкі губи соковиті, а колорит полотна залишає відчуття свята. Але фрукти в що стоїть перед Вакхом вазі не так свіжі: яблуко підгнило, на ньому червоточина. І виноградне листя в вінку героя вже в'януть.

Караваджо не боявся зображувати життя як вона є, загострено відчував її прихований драматизм, що і відбилося в його подальшому мистецтві, вплинув на всю європейську живопис. До теми веселого античного бога художник повернувся ще раз, але написав в його образі себе, фізично і душевно виснаженого хворобою (полотно «Хворий Вакх», що зберігається в Галерея Боргезе в Римі).

Святий Іоанн Хреститель, Мікеланджело Караваджо

Ймовірно, ця робота Караваджо була однією з трьох картин, які він взяв з собою, вирушивши з Мальти в Рим в надії отримати після скоєного вбивства помилування від Папи Римського Павла V. Художник намір подарувати ці полотна його племіннику, кардиналу Шипионе Боргезе, щоб той клопотався за провинився перед понтифіком. У Вічне місто живописець так і не повернувся, померши по дорозі, але залишився полотно свідчить про те душевному стані, в якому він перебував в останніми роками  життя.

Святий Іоанн Хреститель, якого починаючи з епохи Відродження часто зображують не зрілим чоловіком, а юнаків, сидить зануреним у роздуми. Його вигляд виконаний печалі, і цього відчуття не розвіюють ні тепле світло, що заливає фігуру, ні червона драпірування. Караваджо починав зі світлих і щасливих під настрій полотен, потім писав повні пристрастей і гострого драматизму роботи і, нарешті, прийшов до перейнятим трагічним відчуттям буття картинам, які він створював під кінець свого короткого життя. Творчість художника відобразило його власний життєвий шлях.

Принесення в жертву Ісаака, Мікеланджело Караваджо

Нараставший в творчості Караваджо драматизм в повній мірі проявився в представленій роботі, тим більше цьому сприяв її сюжет. Картина була написана для кардинала Маффео Барберіні, чиїм заступництвом користувався художник. Він зобразив момент, коли біблійний старець Авраам збирається принести в жертву свого сина Ісаака, як наказав, щоб упевнитися в глибині його віри, Бог.

В найкоротший часовий проміжок Караваджо зумів вмістити кілька напружених дій, що здійснюються персонажами: батько, тримаючи голову пов'язаного сина рукою, заніс над ним ніж, син кричить від страху, але ангел, посланий Богом, зупиняє Авраама і вказує йому на жертовного барана.

Картина настільки переповнена емоціями, що навіть ангел виглядає стурбованим, а агнець з тривожним поглядом тягне голову, ніби благаючи покласти його на місце Ісаака. Розгортається по горизонталі композиція розтягує у часі всі дії персонажів, змушуючи і їх, і глядача ще сильніше переживати представлену тут драму. Недарма живопису бароко, родоначальником і одним з найяскравіших представників якої є Караваджо, було притаманне саме напруга пристрастей.

Але художник не просто зобразив людські переживання в конкретну мить - він пішов далі, поглибивши їх психологічно. Так, на обличчі Авраама відображені борються всередині нього ревна віра і батьківська любов. Занурюється в сутінки краєвид на задньому плані посилює драматизм, але місто на горі та світла даль неба підкреслюють благополучний результат, який ось-ось настане.

Вечеря в Еммаус, Мікеланджело Караваджо, 1601

Незабаром після того, як Христос був розіп'ятий і воскрес, Клеопа і інший його безіменний учень вирушили в Ем-Маус - селище неподалік від Єрусалима. По дорозі їх зустрів Ісус, Він приєднався до них, але подорожні Його не впізнали. Потім він залишився з ними в будинку, так як було вже пізно, і покуштувавши з ними їжі, учні дізналися Ісуса, але він став невидимим для них.

Новаторська трактування сюжету робить цю картину Караваджо унікальним явищем. Христос постає на картині безбородим, збудження учнів, які усвідомили, що перед ними Учитель, виражено їх експресивними жестами та мімікою. Крім того, Караваджо робить яскравий акцент на натюрморті, який має символічне значення. Було зроблено безліч спроб розкрити його. Курка на тарілці тлумачиться як символ смерті, чорний виноград також вказує на неї, а білий є уособленням Воскресіння. Ще одним символом Воскресіння є гранат. Яблука в системі значень «читаються» двояко: і як плоди благодаті, і як вказівку на первородний гріх, Викуплений кров'ю Христа. Звертає на себе увагу те, що в реальності навесні, коли відбувається дія сюжету, такі фрукти не могли бути на столі. Це лише доводить їх символічне значення.

Картина "Вечеря в Еммаус" була написана для римського аристократа і банкіра Чіріако Маттеї. За роботу 7 січня 1602 Караваджо отримав 150 крон. Пізніше твір придбав кардинал Сципіон Боргезе.

Смерть Марії, Мікеланджело Мерізі де Караваджо

У цій картині, написаної для вівтаря римської церкви Санта-Марія делла Скала в Траставере, Караваджо, художник-реформатор, дає своє тлумачення традиційного сюжету Успіння Богоматері. Традиційно відхід з життя Діви Марії не розцінювався трагедією, оскільки дожила до старості Богоматір після смерті піднеслася на небеса і возз'єдналася навіки з улюбленим Нею Сином.

Караваджо ж побачив в цьому сюжеті саме трагедію, занурився в глибоку скорботу апостолів. Зображення покійної Діви дуже красномовно говорить про пережиті страждання і смертельних муках. Її тіло написано з тим ступенем реалістичності, до якої не були готові замовники роботи, до того ж моделлю для Пречистої Діви послужила близька знайома художника - дівчина легкої поведінки. Це послужило причиною відмови замовника від готової картини.

Мучеництво апостола Матвія, Мікеланджело Караваджо

Це велике драматичне полотно було написано в 1599-1600 рр. для капели Контареллі в церкві Сан Луїджі деї Франчезе в Римі. Безсило звисає рука святого і химерно освітлені фігури на передньому плані підводять погляд глядача прямо до сцени насильства. Освітлення двох центральних фігур підкреслює потужний контраст м'язистого тіла ката і безпорадно розпластаного на землі старця в одязі священика. Тіло Матвія з розведеними в бік руками як би утворює хрест біля ніг ката. Невидимий катові ангел простягає святому пальмову гілку, символ мучеництва, яку той намагається схопити.

СВ. Матвій. Атрибут апостола Матвія, або Левія, - ангел з крилами. Матвій був збирачем податків для римської влади. Але одного разу Христос звернувся до нього «і каже йому: Іди за мною. Той устав і пішов услід за Ним ». Підтверджених свідчень про його подальшому житті немає, але легенда 2 оповідає, що він проповідував в Ефіопії, де цар став домагатися простої дівчини-християнки. Матвій засудив його за посягання на Христову наречену і в результаті загинув мученицькою смертю від меча. Майстри живопису зображують Матвія, як правило, пишуть своє Євангеліє, зазвичай під керівництвом ангела. При ньому можуть бути монети або гаманець - атрибути його колишнього ремесла; у Флоренції Матвій вважався святим покровителем міняв і банкірів.

Давид з головою Голіафа, Караваджо

Потужний, нестриманий темперамент, який проявився в роботах Караваджо, в житті не раз заважав йому. «... На площі Кампо Марція, - повідомляв в 1606 слідчий Римської курії у кримінальних справах, - мала місце серйозна сварка між чотирма чоловіками з кожного боку. Ватажком однієї був Рануччо та Терні, який після довгої боротьби помер; інший же стороною був перед Мікеланджело да Караваджо, живописець, добре відомий в наші дні, який, як кажуть, отримав рану, але його місцеперебування невідоме. (...) Подія викликала сварка з приводу 10 скуді, які покійний виграв у живописця ». Караваджо був заочно засуджений до смертної кари і втік до Неаполь, а потім на Мальту. Там ближче до кінця життя він написав картину, на якій зображений пастушок Давид з головою переможеного їм велетня Голіафа.

З густої темряви з'являється юнак, який тримає в руці відрубану їм голову. Вважається, що особа велетня - це автопортрет художника. До подібного прийому - помістити власне зображення в драматичний контекст - вдався тезка живописця, Мікеланджело Буонарроті, створюючи фреску «Страшний суд» у Сікстинській капелі: на здертої зі святого Варфоломія шкірі, яку той тримає в руці, відображена голова художника.

Караваджо посилив відчуття гіркої печалі, яке виходить від його картини, тим, що незвично вирішив образ Давида: переможець сам виглядає переможеним, зі стражданням дивлячись на діяння рук своїх.

Картина Хворий Вакх, Мікеланджело Караваджо

Перші ознаки драматизму, яким була відзначена зріла живопис Караваджо, проявилися в цій картині, написаної після його перебування в лікарні. Пробувши довгий час між життям і смертю, він потім нерідко звертався до цього стану в своїх полотнах.

Але поки тему тлінність буття молодий Караваджо обіграв з гумором: себе, ще не вилікувався після важкої недуги, що видно по блідій шкірі, зеленому відтінку особи, слабкості руки, що тримає гроно винограду, він представив в образі Вакха. Грецький бог вина і веселощів сидить в тому самому вбранні, в якому художник зобразить його пару років тому на картині, яка перебуває нині в галереї Уффіці: біла накидка схоплена темним поясом, зав'язаним бантом. Але якщо Вакх на полотні з Уффіці зображений здоровим, квітучим і заклично грає кінцем свого пояса, то цей слабкий і не думає нікого дражнити або веселити. На голові у нього - наполовину зів'ялий вінок, сплетений зовсім не з виноградного листя, як годиться. І це взагалі не Вакх, а смертний, вбравшись ім.
Жизнь как она есть, з її стражданнями, слабкістю людини і його спробами зберегти себе - ось тема, яка з часом стала провідною у творчості Караваджо. Справжня драма розгорнулася тоді на його полотнах. Поки ж він жартував над земною природою людини і тим самим намагався хоч трохи піднятися над нею.

Мадонна Палафреньері (Мадонна зі змією), Мікеланджело Караваджо

втор: Мікеланджело Караваджо
   Виставлено в музеї: Галерея Боргезе (Рим)
   Рік: 1605-1606

Зображення Богоматері з Христом і святою Анною Караваджо написав на замовлення папських конюших (з італійського «palafrenieri» - «конюхи») для головного вівтаря церкви Сант-Анна поблизу собору Святого Петра в Римі. Друге найменування картина отримала через те, що тут зображено змія - символ зла, яку зневажають Марія і Христос.

У соборі робота майстра, чиє мистецтво виходило за рамки канонів, перебувала всього кілька днів. З Караваджо не раз траплялося таке, що через невдоволення церковнослужителів його твори покидали стіни храмів і осідали в приватних зібраннях. В даному випадку картина виявилася в колекції Шипионе Боргезе. Причина, по якій її прибрали з церкви, полягала, швидше за все, в наступному: художник зобразив Ганну, Марію і Христа з такою сміливістю і таким реалістичним підходом до створення образів, як якщо б писав кого-небудь зі своїх незнатних і небагатих сучасників.

«Він вважає, що ... нічого не може бути кращого, ніж слідувати натурі, - писав про Караваджо зрілого періоду його сучасник, нідерландський художник і історик мистецтва Карел ван Мандер. - Звідси випливає, що він не робить жодного мазка пензлем без того, щоб не вивчати життя, яку він копіює і пише ». Але саме пристрасть до правди життя, бажання наблизити божественне до людини і було тим нововведенням Караваджо, яка сколихнула мистецтво європейських художників.

Втім, Караваджо чудово вмів «зрежисирувати» задуману їм сцену як справжній художник бароко, одним із зачинателів якого він був. І його манера «тенеброзо» (в перекладі з італійської - «похмурий, темний»), коли промінь світла прорізає темряву і висвітлює персонажів, підсилює момент театралізації зображеного.

Картина Святий Ієронім, Мікеланджело Караваджо

У цій картині, написаної Караваджо спеціально для Шипионе Боргезе, художник зобразив святого Ієроніма за його вченими працями.

Ллється крізь невидиме вікно світло вихоплює з напівтемряви червоне вбрання святого, його голову з крутим, опуклим чолом мислителя, книги, що лежить на столі череп. «Караваджо ... набував з кожним днем ​​все більшу популярність, - писав про нього біограф Джованні П'єтро Беллорі, - головним чином завдяки колориту, - вже не м'якому і світлого, як раніше, а насиченому, з сильними тінями, причому застосовував він часто багато чорного кольору, щоб надати формам рельєфність. І до того він захопився цією манерою, що жодної зі своїх фігур не випускав більш на сонці, але поміщав їх в закриту кімнату ... використовуючи промінь світла, вертикально падаючий на основні частини фігури, залишаючи все інше в тіні, щоб світлотінь давала різкий ефект. Тодішні римські живописці були в захваті від цього нововведення, особливо молоді ... »

Святий Ієронім, один з отців церкви, перекладач Біблії на латинську мову, занурений в читання божественної Книги, на його чолі - печать крайней зосередженості, в руці застигло перо. У той же час створений художником образ нагадує і про життя героя картини в пустелі, де він молився і каявся в гріхах, про що свідчить його вбрання відлюдника. Череп, один з атрибутів Ієроніма, ілюструє латинський вислів «memento mori» - «пам'ятай про смерть», але і символізує перемогу людського духу над бренной плоттю. Між цим символом і святим - розгорнута Біблія як шлях, який треба пройти від життя простого смертного до висот духу. Витягнута по горизонталі композиція, така улюблена художником, вказує на це довгу відстань, але рука з пером скорочує його.