Caravaggio fonctionne. Faits intéressants sur tout. Les dernières années de la vie du Caravage

22.09.2018

Description de la peinture "Musiciens" — Caravaggio Michelangelo 22.01.2016 13:56

Description de la peinture de Michelangelo Merisi da Caravaggio: Musiciens.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) - artiste italien.
Un innovateur de la peinture européenne, un amateur de réalisme et un amoureux des autoportraits s'intégrant harmonieusement dans leurs propres peintures. Tout tourne autour de lui, Caravaggio. L'artiste a immédiatement créé ses peintures complexes sur la toile, sans dessin ni croquis préalable. Toute la création artistique du Caravage dans l’art s’accompagnait de la lutte de la lumière et de l’ombre, qui contrastait fortement entre elles (la soi-disant méthode «kyarokuro»). La même chose que nous voyons dans l'image "Musiciens".
Trois jeunes hommes, sur lesquels tombe le jour lumineux, en costumes conditionnels de théâtre sont en train de se préparer pour une répétition.
Un musicien avec une partition est assis dos à la personne qui regarde la photo. On peut voir sur la partition l’inscription, qui ne peut pas être démontée (technique préférée de l’artiste, qui aimait signer de petits fragments dans ses peintures). Au centre, avec un luth, se trouve un jeune homme qui accorde ses cordes. Le troisième jeune homme avec une corne est Caravaggio lui-même, qui a dépeint l'un des premiers autoportraits. Le quatrième garçon de la photo, Cupidon ou Cupidon, avec des ailes, un carquois de flèches et une grappe de raisin. Les yeux de Cupidon sont trempés de larmes, apparemment, la chanson, qui sera interprétée par des musiciens, raconte les chagrins de l'amour. La musique est un thème populaire à l’époque du Caravage, car l’église a fortement soutenu le renouveau et le développement de la musique.
La jeunesse épanouie des jeunes se fond harmonieusement dans la musique et l’art de la peinture «Musiciens». L'espace de l'image est invisible, les quatre personnages ne se touchent pas, ils existent comme s'ils étaient seuls et créent en même temps une composition à part entière sur un fond sombre.
Dans les vêtements richement drapés des jeunes hommes, on peut déjà sentir de manière invisible la nervosité et les intempestives caractéristiques du style baroque auquel Caravaggio était accro au début de son voyage créatif.

Condamné comme «antichrist de la peinture», Caravaggio était tout aussi controversé pour son travail révolutionnaire que pour son caractère scandaleux et son long casier judiciaire. Artiste célèbre durant sa vie, après sa mort, Caravaggio a été en grande partie oublié et, jusqu'au XXe siècle, son rôle clé dans le développement de l'art occidental n'a pas été rappelé.

Mort et pardon

Malgré le style de vie scandaleux qui a permis de préserver l’intérêt du Caravage pendant des siècles, c’est finalement un véritable génie de ses œuvres, qui a pris sa place dans l’histoire de l’art, ainsi que dans l’imaginaire moderne. Les œuvres de Caravaggio représentent l'une des œuvres les plus étonnantes de l'histoire de la peinture occidentale. Observer l’évolution de son style depuis ses premières œuvres jusqu’à ses principaux succès dans ses derniers tableaux revient à regarder les hauts et les bas de sa vie.

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5 Description de la peinture "Judith et Holopherne" — Michelangelo Caravaggio 22.01.2016 19:09

Description du tableau de Michelangelo Merisi da Caravaggio: Judith et Holopherne.

Holopherne était le chef de l'armée du célèbre conquérant Nebucadnetsar. Une des villes de Vetiluia a été assiégée par des ennemis. Dans cette ville condamnée, et vivait Judith. Elle se distinguait par une piété et une chasteté incroyables.
Il était impossible de s'échapper. Puis Judith choisit la meilleure tenue et alla hardiment droit aux ennemis. Elle a pleinement gagné la confiance d'Holopherne. Une fois, il s'est endormi, parce qu'avant, il avait beaucoup bu. Judith lui a calmement coupé la tête. L'armée est restée sans chef. Une panique incroyable a commencé et tout le monde s'est enfui. Judith a commencé à vivre comme avant. Elle ne s'est jamais mariée.
Judith a tué Holopherne précisément parce qu'il était païen. Elle l'a fait au nom de Dieu. Cet acte est devenu vraiment pertinent lorsque l’Église catholique a commencé à réprimer toutes sortes d’hérésies. Judith était un exemple pour les fanatiques de religion.
Caravaggio a dépeint Judith avec beaucoup de maîtrise. Sur son visage, il est impossible de lire le triomphe de la victoire ou de la passion. On peut seulement voir que c'est à la fois décisif et dégoûté. L'héroïne est vêtue de la meilleure tenue disponible pour les femmes du peuple.
Habituellement, l'héroïne était représentée après avoir commis le meurtre. Elle a gardé la tête coupée. L'artiste capture le moment où cet événement terrible se produit. La tête repose toujours sur le corps. Elle n'est pas complètement coupée. Les yeux de Holofern roulèrent absolument hors de son orbite et sa bouche s'arrêta dans un cri terrible. L'artiste enchante le processus
L'image donne naturellement les détails de la décapitation. Les plus petits détails de la nature physiologique sont choquants. Les mêmes couleurs vives utilisées par l'artiste afin de donner à l'image une vivacité maximale.
Si auparavant, les peintres du Caravage avaient prêté attention aux exploits, l'artiste avait d'abord décidé de se concentrer sur le meurtre. Le spectateur voit le côté terrible et incroyablement dur de cet événement.

Bien que le clair-obscur ait été utilisé bien avant que le Caravage ne fasse son entrée sur la scène artistique, c’est lui qui a défini la technique et assombri les ombres. L’observation de la réalité physique et psychologique par l’artiste renforce sa popularité, mais pose des problèmes pour ses tâches religieuses.

Artiste prolifique, Caravaggio a travaillé rapidement, utilisant des modèles vivants et utilisant le bout de son pinceau pour marquer les contours de base de son travail. Sa préférence pour le travail direct sur la toile était étrangère à ses pairs, qui l’accusaient d’idéaliser ses personnages.

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4 Description de la peinture "Madone au serpent" — Michelangelo Caravaggio 22.01.2016 19:18

Description de la peinture de Michelangelo Merisi da Caravaggio: Madone au serpent.

«Madonna Palafrenai» - tel était le prénom du tableau de Michelangelo Caravaggio, qui représente Sainte Anne, Marie et le petit Christ. La figure la plus dynamique est celle de Marie, l’enfant est mise en mouvement sous la douce direction de sa mère et la vieille Anna est éloignée dans une paix humble.
“Madonna avec un serpent” - le deuxième nom est donné à la toile en raison du fait que le peintre a représenté le serpent comme un autre personnage principal personnifiant une inclination perverse. La Mère de Dieu avec Jésus dans le rôle de forces de la lumière appuie la tête du serpent avec ses pieds - piétinant symboliquement le péché. Madonna ne fait pas que tuer le serpent, elle donne l'exemple à son enfant et lui apprend à combattre les forces des ténèbres.
Caravaggio a travaillé sur un tableau commandé pour l'autel central de l'église Sainte-Anne de Rome. Commencée en 1605 et achevée un an plus tard, la «Madonna» n’était que quelques jours dans la cathédrale. L'art du peintre, audacieux pour cette époque, a souvent provoqué l'indignation parmi ses contemporains, en particulier les protestataires de l'église ont protesté. Apparemment, le clergé était mécontent du désir de Caravage d’humaniser le divin: renverser les objets de culte du socle et les rapprocher le plus possible du peuple. Le maître a décrit les saints les plus vénérés de manière si réaliste et naturelle, comme s'il écrivait les premières personnes qu'il a rencontrées dans la rue.
L'artiste a travaillé à l'apogée du baroque - cela s'exprime dans le drame théâtral de la toile. Le style distinctif de Caravaggio est un contraste distinct entre l'obscurité et l'illumination des personnages. Le travail saisissant sur la lumière et les ombres, l’unité d’action, la riche richesse émotionnelle des personnages et la franchise excessive à leur image rendent la peinture religieuse de l’artiste originale, véridique et complète.
En raison du rejet de l'église, "Madonna au serpent" est tombée dans la collection de peintures de Schipione Borghese et est actuellement exposée dans la villa éponyme de la famille princière de Rome.

Le Caravaggio est un pionnier du style baroque italien, né de l'ère maniériste. L'art baroque italien n'était pas très différent de la peinture italienne de la Renaissance, mais la palette de couleurs était plus riche et plus sombre et le thème de la religion était plus populaire.

À la fin du XVIe siècle, le Caravage a eu la chance de travailler pendant la Contre-Réforme, lorsque pratiquement toute la ville de Rome a subi un projet de construction, alors que l'Église catholique réparait les anciennes églises et en construisait de nouvelles pour attirer les convertis protestants à la Foi. Tous ces nouveaux espaces nécessaires grandes quantités décorations, et les artistes étaient trop disposés à répondre à ce besoin.

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5 Description de la peinture "Jean le Baptiste" — Michelangelo Caravaggio 22.01.2016 19:20

Description du tableau de Michelangelo Merisi da Caravaggio: "Jean-Baptiste" (Un jeune homme avec un bélier)

Caravaggio - artiste italien de la Renaissance, l'un des plus grands maîtres du baroque. Comme la plupart des fans de ce style ont préféré l'abondance des détails de l'ascèse, et la luminosité et la richesse des couleurs de la pâleur. De tous les thèmes, les plus aimés étaient des motifs mythiques et religieux.
Son «Jean-Baptiste» est une image, également appelée «le jeune homme avec un bélier», parce que l'image habituelle du prophète est interprétée de manière inhabituelle. En règle générale, Jean est décrit à l'aube de sa gloire, lorsqu'il baptise des gens sur le Jourdain. Ou quand il marchait dans le désert, en lambeaux et absorbé par le silence intérieur.
Sur la photo, Caravaggio n'est pas un homme adulte, ni un prophète, mais le garçon qui fut autrefois ce prophète. Il a les cheveux bouclés, un visage simple et ouvert, yeux noirs. Nu, il est assis sur une pierre, à peine recouverte d'un morceau de peau de chameau et de ses propres vêtements, et embrasse le cou d'un bélier, jetant un regard sournois au spectateur. Il n'y a pas de tension ou de souffrance en elle. Il n'est pas encore l'homme qui a laissé tout ce qui lui restait à prêcher la venue de celui qui baptisera au feu.
Il n'a pas de ceinture, la robe habituelle, de tous les attributs du prophète - la peau de chameau, et le bélier du prophète ne correspond pas parfaitement, car dans la plupart des interprétations, cela signifie la convoitise. En règle générale, John est représenté avec un agneau, c'est-à-dire avec un petit agneau.
Une telle approche pourrait peut-être offenser ceux qui veulent seulement voir la sainteté. Mais le simple fait de rappeler que toute sainteté vient de la terre, naît dans la terre, elle se développe dans le monde des êtres humains - elle est précieuse. Alors Christ est allé prêcher seulement quand il avait trente-trois ans. Mais, oubliant cela, John et les saints sont tous deux dépeints comme des adultes, comme s’il n’était pas loin d’un enfant ordinaire, comme s’ils n’avaient jamais eu autre chose qu’une compréhension divine.

Les dernières années de la vie du Caravage

En outre, le Caravaggio a également connu un nouvel intérêt pour le naturalisme scientifique en plein essor dans le nord de l'Italie, en partie grâce à un afflux d'œuvres d'art en provenance du nord de l'Europe. En conséquence, Caravaggio a développé un style de réalisme catégorique, une accessibilité sans précédent et un appel direct à des émotions sans précédent parmi ses pairs et qui ont contribué à façonner l'art italien du XVIIe siècle.

L'influence du Caravage se manifeste directement et indirectement dans les peintures d'artistes tels que Rubens, Bernini, Giusep de Ribera et Rembrandt. La prochaine génération d'artistes qui ont eu une profonde influence sur le Caravage a été désignée Caravaggisti ou Caravaggies, ainsi que Tenebristis ou Tenebrosi. Le secrétaire Paul Valery, André Bern-Yoffroy, a déclaré: "Ce qui commence dans le travail du Caravage est simplement la peinture moderne."

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Resté longtemps à l'hôpital et ayant quitté la salle, le peintre, qui n'avait pas encore complètement récupéré sous l'inspiration, a sorti une toile vierge et s'est mis au travail. A cette époque, il était limité en fonds, je devais donc me passer de gardienne.
Le maître a écrit un autoportrait à l’image du personnage grec ancien Bacchus: un regard éteint et sans vie, une peau du visage jaunâtre pâle, des mains faibles tenant une grappe de raisin déjà en décomposition.
Bacchus est l'un des noms du mythologique Dionysos, les divinités de la vinification et de la végétation en général, ainsi que de l'inspiration. La tête du Caravage n’est pas liée à une couronne de feuilles de vigne traditionnelle pour l’image de Dieu, mais à des feuilles fanées d’un arbre de race inconnue.
Un dieu du vin en bonne santé, beau et épanoui chez les Grecs devient, à partir d’un Italien, insipide, apparemment grave, douloureux. Selon la légende, le Bacchus original porte un bronzage, comme tous les habitants du divin Olympe, et le personnage sur la toile est complètement dépourvu de bronze sur la peau.
L'artiste prétendrait se moquer de sa propre honte temporaire et de son impuissance, de la nature terrestre des gens et des idéaux élevés de la Renaissance. Description de la peinture "Garçon, nettoyage des fruits" — Michelangelo Caravaggio 22.01.2016 19:35

Description du tableau de Michelangelo Merisi da Caravaggio: Un garçon en train de nettoyer des fruits.

Parmi ceux qui peignaient dans la technique du réalisme, qui professaient les nobles idéaux du classicisme, n'était pas considéré comme le meilleur ton pour dépeindre le monde dans toute sa saleté. Le fait qu'il y ait de la saleté était considéré comme un fait bien connu et ne nécessitant pas d'être scellé. Ils ont essayé de capturer les moments les plus sublimes et idéaux qui en valaient la peine pour les amener à la postérité.
Le choix de Caravaggio est d'autant plus surprenant qu'il a dépeint un garçon serviteur qui nettoie les fruits pourris. Le garçon a une chemise blanche, il est représenté dans des lignes très douces et lisses. Sa poitrine est sans poil, son visage est très jeune - ses mains sont rêches, il ne pourrait pas devenir violoniste. Les cheveux légèrement frisés, la peau jette du miel et du bronze. Devant le garçon sur la table, il y a des pêches. Deux d'entre eux sont beaux, coulés, pleins de soleil.
Le reste n'a pas l'air si parfait: ils se sont froissés et noircis, ils ont dû rester allongés trop longtemps ou ont été ramassés sous l'arbre, après la récolte générale. Tenant un couteau dans sa main, le garçon nettoie la pourriture et il le fait si adroitement que de magnifiques anneaux en spirale de la peau sont obtenus.
Il est évident qu’il n’est pas habitué au travail, mais pour le moment, il est obligé de se concentrer pleinement. Le garçon regarde ses mains, suit le mouvement du couteau et a l'air complètement absorbé par son métier.
Ce qui se passe dans sa tête est difficile à dire.
Peut-être est-il une belle princesse, cachée dans la tour d'un terrible dragon, que lui-même, un puissant chevalier, peut plonger. Peut-être pense-t-elle qu'aujourd'hui une tarte sera faite à partir de ces pêches et qu'il pourra obtenir une part ou une confiture, et elle pourra essayer un peu avant de la mettre à la banque. Ou peut-être ne pense-t-il même pas à quoi que ce soit, il profite simplement d’une journée chaude et d’une occupation calme habituelle.
Sur un fond sombre, sa peau est presque rougeoyante.

Mort à lui

Et l'art de Delacroix, Courbet et Manet serait complètement différent. Bernard Berenson a accepté: "À l'exception de Michelangelo, aucun artiste italien n'a eu une influence aussi forte." L'artiste est né à une époque de turbulences politiques et spirituelles de la Contre-Réforme, lorsque l'Église catholique a tenté de se regrouper après la Réforme protestante. Ce contexte historique a eu une influence indélébile sur son développement personnel et artistique.

Le père de Caravaggio est décédé de la peste alors que l'artiste n'avait que 6 ans. À l'âge de 13 ans, Caravaggio était un élève de Peterzano, un artiste basé à Milan. Il enseignait les bases du métier à un jeune homme, comme préparer des pigments, mélanger les couleurs et dessiner des éléments rudimentaires, anatomie et perspectives. Un naturalisme insurpassable, qui semble avoir été marqué par le style mature du Caravage, est une tendance naturaliste de l’art de la Lombardie et l’historienne de l’histoire Helen Langdon suggère que Peterzano a peut-être incité le jeune Caravage à apprendre de la nature.

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Italien exceptionnel artiste Caravaggio (1571-1610 biennium) est connu non seulement parce qu’il est devenu le fondateur du réalisme en peinture. Le fait est qu’au coucher du soleil, le représentant le plus important était Michelangelo Merisi da Caravaggio (à ne pas confondre).

Portrait de Caravaggio par Ottavio Leoni, 1621

Si vous aimez les faits intéressants, une brève description de la vie d’un maître de génie et ses aventures incroyables vous procurera du plaisir.

Sa carrière a fait un bond en avant lorsqu'un amant d'art influent, le cardinal Monte, a pris le jeune artiste sous son aile et est devenu son premier mécène permanent. Ce triptyque de scènes de la vie de saint Matthieu représente une sorte de premier manifeste du naturalisme, qui a attiré l’attention du public, ainsi que des manifestations critiques du fait de leur naturalisme sans précédent et de leurs nuances de fumée et d’ombre spectaculaires. Caravaggio a attiré la majorité écrasante de critiques virulents et d'opposants: socialement, il était belliqueux, grossier, cruel et, finalement, affamé, affamé et artistiquement, il était un audacieux contrevenant aux règles qui déracinaient les règles classiques de l'art.

Immédiatement, je dois dire que les peintures de Caravaggio impressionnent vraiment même ceux qui ne sont pas forts en art. Le fait que l’artiste ait utilisé la technique du "kyarokuro", qui contraste fortement entre ombre et lumière. C'est à travers cette technique que le maestro a mis l'accent sur les émotions et les expériences de ses personnages.

Un fait intéressant est que Caravaggio, dans sa courte vie (et il n'a vécu que 38 ans), n'a laissé aucun dessin ni croquis. En d'autres termes, il a mis en œuvre toutes ses idées, même les plus complexes, immédiatement sur la toile, sans aucune étape préalable.

Dans le même temps, cependant, sa capacité à dépeindre des scènes religieuses avec une accessibilité sans précédent et des sentiments très humains a fourni une inspiration inestimable aux artistes au fil des siècles, notamment des maîtres tels que Rubens, Velazquez et Rembrandt.

Style et technique Caravaggio

Les œuvres du Caravage étaient si controversées à l'époque en raison de leur style totalement novateur et révolutionnaire. Contrastes forts et dramatiques de la lumière et de l'obscurité, réalisme décisif, une attention particulière portée aux détails naturalistes et des modèles abordables et réalistes, arrangeant les peintures de Caravaggio de tous les gentilshommes qui l'ont précédée.

Jeune Caravage

Né dans la petite ville italienne de Caravaggio, non loin de Milan, Michelangelo Merisi, à l'âge de 13 ans, se rend à l'atelier de Peterzano. Il y découvre l’art de la peinture et, au bout de 20 ans, le jeune artiste Caravaggio avait de grands espoirs.

Cependant, son caractère extrêmement vif et colérique l'empêche de faire carrière. Des scandales constants, des bagarres et des emprisonnements l'accompagnèrent toute sa vie. De Milan, il a été contraint de partir de toute urgence pour Rome après jeu de cartes terminé par un scandale et un meurtre.

Les premiers tableaux connus de Caravaggio datent de son arrivée à Rome. Dans ces premières années, il était complètement démuni et peignait de petites scènes de genre, des autoportraits et des natures mortes pour gagner de l'argent sur le marché libre. Le jeune artiste a exécuté des images pour le cardinal et a utilisé ses relations pour rassembler des bandes dessinées de premier plan des plus riches mécènes et collectionneurs de Rome.

Les compositions de l'artiste sont devenues plus complexes et contenaient divers personnages. En outre, les peintures de Caravaggio sont devenues plus sombres à cette époque. Ces trois peintures représentant des scènes de la vie de saint Matthieu constituent la défaite triomphale du Caravage sur la scène artistique romaine.

La vie à Rome

L'observation du prêtre italien, Borromeo, qui, après avoir connu le Caravage, l'a caractérisé ainsi, est tout à fait remarquable ici:

"Un homme grossier et grossier, errant toujours dans les rues et dormant où il le faut, il attire les vagabonds, les mendiants et les ivrognes et ressemble à un homme heureux."

Les premiers travaux du Caravage ont été réalisés sous l’influence notable de Léonard de Vinci et de. Un fait intéressant est que c'est à Rome que Michelangelo Merisi a reçu le surnom de «Caravage» après le nom de la ville dans laquelle il est né. Depuis lors, en art, il est connu précisément sous lui.

À cette étape de sa carrière, l’artiste crée de nombreuses œuvres religieuses avec des arrangements plus vastes et plus complexes. L'artiste a clairement résolu ses premiers problèmes de composition. À certains égards, l’art du Caravage correspond à l’esprit de la contre-réforme: après le déclin artificiel du maniérisme, l’Église cherchait un art plus simple et plus direct qui aurait le plus grand effet sur les émotions.

L’art du Caravage était, bien sûr, naturel et direct, mais à l’extrême, ce qui rendait l’Eglise mal à l'aise, car l’artiste décrivait les personnages religieux sacrés comme de véritables gens ordinaires, pieds nus et boueux sous les ongles. En cette période de peur intense et de blessures personnelles, les peintures de Caravaggio ont atteint le noir et le désespoir absolus. Se concentrant sur des objets religieux et des portraits, ses œuvres étaient sombres, lugubres et inquiétantes.

Après un autre combat, Caravaggio va à nouveau en prison, où il rencontre Giordano Bruno. En 1593, il était sur le point de mourir et de vivre pendant plusieurs mois, tombant gravement malade de la fièvre romaine (paludisme). Au stade de la récupération, il a écrit son premier autoportrait. Le tableau s'appelle «Malade Bacchus».

Surtout, la célébrité lui a apporté des peintures sur des scènes bibliques. On ne sait pas comment le Caravage a réussi à les associer à une vie déchaînée et à de constants scandales. Il s'est précipité indistinctement avec une épée sur quiconque parlait mal de ses œuvres d'art.

Qui ou quoi a influencé le Caravage

Caravaggio était connu pour mépriser le travail d’autres artistes, y compris les maîtres de la Renaissance et de l’antiquité. Le rebelle confiant a prétendu avoir surpassé tous les autres artistes et peint purement la nature. Cependant, un regard plus attentif sur les peintures de Caravaggio montre que même lui n'était pas à l'abri de l'influence stylistique.

Michelangelo: Même le Caravage n’a pu résister à l’inspiration de la leçon du grand maître de la Renaissance, Michelangelo. Caravaggio aurait tout loisir de superviser le travail de Michel-Ange dans tout Rome, en particulier dans la chapelle Sixtine. L'influence de Michelangelo est évidente dans «L'appel de saint Matthieu» de Caravaggio, où la main du Christ est le reflet exact de la main d'Adam.

Évasion de rome

En 1606, le maestro fut déclaré hors-la-loi par le pape Paul V (son portrait ci-dessous). Et cela signifiait que toute personne pouvait non seulement le tuer, mais aussi recevoir une récompense pour cela. Bien sûr, pour une décision aussi grave, le père avait une raison.

Il se trouve que pendant le match, une bagarre a éclaté entre les deux sociétés. Dans l'un, il dirigeait le Caravage et dans l'autre, Ranuchcho Tomassoni. À la fin, Ranuccio Tomassoni a été tué et l'artiste a été accusé d'un crime.

Leonardo da Vinci: Aucun artiste italien à succès ne pouvait peindre sans aucune trace de da Vinci dans ses œuvres, que ce soit voulu ou non. Medusa Caravaggio, à la demande du cardinal del Monte, qui travaillait pour la famille Medici à Rome, en est un exemple. Si tel était le cas, del Monte aurait sûrement été au courant et aurait demandé au jeune artiste de suivre le propriétaire.

Le Caravage de Judith Whitehead Holofern est un autre exemple largement cité de l’influence de Vinci. Voici le visage étrangement intense d'une vieille couronne, tenant un sac pour Holopherne "têtes incontestablement mémorables da Vinci" de dessins animés s. Durer: Bien que originaire d’Allemagne lointaine, l’influence de ce génie de la Renaissance s’est étendue à l’Italie. Caravaggio aurait pu connaître les œuvres de Dürer grâce aux exemplaires gratuits de ses gravures.

Cédant à la course, il se cache dans le domaine de la Colonne, où il écrit des peintures sombres "Saint François pensant" et "Dîner à Emmaüs".

Après cela, il a déménagé à Naples et un an plus tard - à Malte. Mais ici, il est à nouveau impliqué dans une sorte de scandale et va à nouveau en prison. Il a été mis dans un sac en pierre, mais il a réussi à s'échapper de là.

Cet article a été importé en Italie à partir de somptueuses peintures de fruits et de fleurs, riches en art hollandais et flamand, notamment d'œuvres d'artistes tels que Peter Aerzen et Joachim Beckeler. Alors que son style ébranle l'élite artistique de cette époque, les peintures de Caravaggio inspirent à la fois de jeunes et vrais artistes de Rome. Ces artistes se sont fait connaître sous le nom de Caravaggisti et se sont répandus dans toute l'Europe, de Rome à Naples en passant par les Pays-Bas. Certains suggèrent même que des grands maîtres comme Rubens et Velasquez étaient influencés par ce génie du baroque italien.

En 1608, Caravaggio a navigué en Sicile à la ville de Syracuse. S'installant dans les villes siciliennes, il écrivit ses célèbres peintures.

Mort et pardon

Après plusieurs années, le cardinal Gonzaga commence à négocier avec le pape Paul V afin de pardonner à Caravaggio. Dans l’espoir d’une décision positive, l’artiste envisage de se rapprocher secrètement de Rome.

Roman Karavaggisti: avec notamment Orazio Gentileschi, sa fille Artemisia Gentileschi et Bartolomeo Manfredi, ces artistes ont été particulièrement actifs dans les années qui ont suivi la mort de Caravaggio. Cependant, Karavaggisti s’écartait vraiment du style du maître de plusieurs manières importantes.

Utrecht Caravaggisti: Lorsque cette collection de jeunes artistes a effectué son pèlerinage vers cette Mecque artistique au début du XVIIe siècle, ils ont été confrontés aux chefs-d’œuvre de Caravaggio et à la falsification de Utrecht Caravaggisti. En général, le travail d’Utrecht Caravaggisti est beaucoup plus facile que celui de leurs homologues romains, au sens propre et figuré. Ces artistes abordent les mêmes thèmes que dans les œuvres de Caravaggio et les poussent au royaume de l'humour fou, avec des intentions moralisatrices plus explicites.

Cependant, il a navigué de Naples, il a disparu et on ne sait rien de son destin. Il existe seulement des informations selon lesquelles tous les historiens ne croient pas qu'il aurait été détenu à la forteresse de Palo, puis à pied à Porto Ercole.

C'est là que le 18 juillet, pour des raisons inconnues, le capitaine mourut à l'âge de 38 ans. Et le 31 juillet a publié un décret de grâce Caravaggio. Parallèlement à cela a été publié et le message sur la mort de l'artiste.

Comme nous l’avons dit, le Caravage a eu un impact considérable sur l’art en général et sur le travail de nombreux artistes de premier plan en particulier. Cependant, son caractère violent et incroyablement fougueux est devenu une conversation de la ville.

Les témoins disent que lorsqu'il a peint le tableau La résurrection de Lazare, il avait besoin d'images réelles. En tant que fan de son cas, il a reçu l'ordre d'amener l'homme récemment tué, qui avait été déterré de la tombe, à l'atelier.

Deux gardiennes louées ont catégoriquement refusé de poser, ainsi que le cadavre qui avait commencé à se décomposer. Sans y réfléchir à deux fois, Caravaggio s'empara du poignard et les força à se soumettre à leur propre volonté.

Photos de Caravaggio

Vous trouverez ci-dessous les peintures les plus célèbres de Caravaggio. Faites attention à leur réalisme étonnant, à leurs jeux d'ombres et de lumières incroyables, ainsi qu'à leur précision dans la transmission de la moindre émotion. Il semble que les héros des intrigues vivent leur vie et ils ne se figèrent qu'un instant.