Caravaggio Bacchus aprašymas. Alekskndr Makhov. Dovydas su Golijo, Caravaggio, galva
Jis vadinamas XVII a. Europos vizualiojo meno reformatoriumi, kuris atnešė daug naujų dalykų iki anksčiau dominavusio stiliaus. Jei anksčiau tuo metu dominuojantys religinių drobių vaizdai buvo idealizuoti, tada su Caravaggio atėjimu jų vaizdavimui buvo naudojamas maksimalus natūralizmas. Jis buvo vienas iš pirmųjų, naudojančių naująjį „kyaroskuro“ rašymo būdą - aštrią šviesos ir šešėlių opoziciją. Rašytinių vaizdų realizmas padarė senovės dievus, krikščioniškus šventuosius ir kankinius artimesnius gyvų žmonių pasauliui, jie aiškiai perskaitė individualumą ir charakterį, kuris sumažino jų patą, padarė meną „demokratiškesnį“. Visos detalės, net ir mažosios, buvo labai atsargiai išryškintos, o tai sukėlė realybės, „tangability“ efektą. Caravaggio labai prisidėjo prie naujų to laiko meno krypčių kūrimo - namų ūkio žanro ir natiurmortų, anksčiau vadinamų „mažais“ žanrais.
Jaunas žmogus su vaisių krepšeliu, Michelangelo Caravaggio
Šiomis nuotraukomis Shermanas pabrėžia makiažo, plaukų, išraiškos ir laikysenos transformacines savybes, taip pat stereotipų, kaip kultūrinių klišių siųstuvų, galią. Savo, kaip sitter ir fotografo, vaidmuo Shermanas nutraukė įprastą modelio ir fotografo galios dinamiką ir sukūrė naujų galimybių, kuriomis galite ištirti pačią portretinės fotografijos priemonę. Šie skaičiai nėra pagrįsti konkrečiomis moterimis, tačiau menininkas juos pažvelgė visiškai pažįstamas kovodamas su neįmanomais grožio standartais, kurie vyrauja jaunimo ir statuso apsėstame kultūroje.
Pažymėtina, kad, kurdamas savo sudėtingas kompozicijas, menininkas nenaudojo eskizų ir eskizų, iškart suvokdamas drobės idėją.
Be unikalaus talento, menininkas buvo ypatingas asmuo, turintis sudėtingą pobūdį. Pati jo gyvenimo istorija yra vaizdinė drobė, pilna kontrastų: kūrybiški verslai ir sėkmės vyksta kartu su dueliais, kovomis, riaušiškumu, o riterių inicijavimui seka kalėjimas, pabėgimas iš Romos dėl nužudymo, klajojo įvairiuose Italijos miestuose ir mirtis 37 metų amžiaus. metų nuo maliarijos ir liūdesio.
Tokiu mastu lengva iššifruoti makiažo, drabužių ir papuošalų simbolių pažeidžiamumą. Šių vaizdų psichologinis svoris pasireiškia neišmatuojamu jų senėjimo aprašymo sąžiningumu, kontroliniais kosmetikos pokyčių požymiais ir mažomis detalėmis, kurios paneigia simbolių bandymus sukurti poliruotą ir elegantišką išvaizda. Atidžiai išnagrinėjus, jie atskleidžia tamsią realybę, slepiančią po blizgiu tobulumo paviršiumi. Kaip ir daugelyje savo darbų, savo visuomenės portretuose Šermanas parodė puikų gebėjimą nukreipti dvasios dvasią.
Pradėdamas kūrybinį kelią nuo vargumų Romoje: Caravaggio pasiekė prestižinę poziciją ir vienareikšmiškai pritarė jo darbams per visą gyvenimą, su kuriuo daugelis talentingų meistrų ne visada pasisekė. Jis gavo daug užsakymų.
Verta pažymėti, kad klientai ne visada suprato menininko naujoves: kai kurie darbai buvo laikomi nepagrįstais dėl nuolatinio gyvenimo ir kūno įvaizdžio tiesos laikymosi, tačiau tai neužkerta kelio atmestiems darbams parduoti apšviestai visuomenei, kuri labai vertino dailininko talentą.
Tarp daugelio šiuolaikinės tapatybės iteracijų, šios nuotraukos išsiskiria tiek provokuojančiomis, tiek atleidžiančiomis, jautriomis ir paslaptingomis. Kadangi dauguma Shermano paveikslų vaizduoja menininką kaip modelį, jie demonstruoja vieną charakterį. Kai ankstyvieji darbai vaizduoja vieno simbolio judesius ir gestus erdvėje, keletas pastarųjų kūrinių skaičiai tarpusavyje sąveikauja, kad sukurtų lenteles.
Kritinis atstumas tarp dviejų abrikosų ir garbinamo sklendės, esančios toje pačioje nuotraukoje. Krikščionių jaunatviškas nekaltumas Kartahare. Gilūs, pražūtingi šešėliai po šv. Jono Krikštytojo dykumoje. Gerrit van Henthorst stebuklingai gražūs odos tonai Saint-Sebastian ir panašūs kraujas iš kojų yra kairėje pusėje sužaloti dviem kryptimis: viena kryptimi, kai stovėjo Saint-Sebastien, vienas, kai jis nukrito.
- Foninis gydymas berniukui, įkūnytam driežų.
- Rankų įtampa šioje nuotraukoje.
- „Sick Bacchus“ odos padėklas.
- Spalvos vynuogių krūva tame pačiame paveikslėlyje.
„Vecherka“ prisimena 6 svarbiausius didžiojo menininko paveikslus, pagamintus įvairiais žanrų kryptimis.
1. Religinė tapyba: „Kapo padėtis“ (1602-1604).
Vienas iš monumentaliausių menininko kūrinių. Paveikslas buvo skirtas romėnų bažnyčios Chiesa Nuova altoriui. Ilgą laiką jis buvo laikomas svarbiausiu menininko šedevru. 1797 m. Prancūzai nuvyko į Paryžių į Napoleono muziejų. 1815 m. Drobė buvo grąžinta ir nuo 1820 m. Įsikūrusi Vatikano Pinakothek.
Vienas iš įtakingiausių figūrų meno istorijoje Caravaggio panaikino dienos menines tradicijas ir sukūrė stulbinančius dramatiškus, šventus ir pasaulietinius paveikslus. Šioje ambicingoje parodoje nagrinėjamas gilus jo darbo poveikis daugeliui Italijos, prancūzų, olandų, flamandų ir ispanų menininkų, gyvenusių Romoje. Pagal temą jis apima daugiau kaip 50 paveikslų, kurių nepriekaištingi vaizdai yra Caravaggio, panašūs į tuos, kuriuos įkvėpė.
Tai antra pagal dydį jo tapybos darbų Šiaurės Amerikoje paroda ir tik trečioji Caravaggio paroda, kuri vyks JAV. Daugelis ankstyvųjų Caravaggio tapybos darbų rodo gražų jaunimą, atskirai arba grupėse. Atrodo, kad jis pakartotinai naudojo tuos pačius mėgstamiausius modelius, o kartais ir savo bruožus, kuriuos pasakoja šiuolaikinis, jis mokėsi veidrodyje. Muzikantų karnavaliniai paveikslai būtų patrauklūs romėnų kolekcionieriams, kurie buvo aistringi meno globėjai, ir tikriausiai buvo sukurti papuošti spektakliams.
Biblijos scenomis Caravaggio atėjo į savo brandesnį darbą. Juose menininkas rado šiuolaikinio gyvenimo dramą. Sąmoningai, o ne įprastą aukštų vaizdų interpretavimą, nutolimą nuo didingo grožio ir herojiškumo, jis stengiasi pakelti griežtą realybę į legendos, mito lygį. Ir atvirkščiai, sumažinti religinių didvyrių pompoziškumą į populiaraus gyvenimo dramą ir apgailestaujantį Kristų - į įvykį, kurį visi supranta.
Jie turi svajingą, šiek tiek melancholišką orą. Jei meilės dainos, kaip mes galime įsivaizduoti, yra tikrai skausmingos meilės pusės, o ne jos džiaugsmo. Ankstyvosios jaunosios Karavaggio kartos nuotraukos paprastai yra sensualio malonumo scenos, tačiau su įspėjamuoju įspėjimu nuo indulgencijų, nes kai jaunas žmogus turi pirštą, kurį sumušė žiedas, slepiasi kai kuriuose vaisiuose. Jis priartina mus prie savo figūrų, dažnai verčia juos susilieti su mumis ir įtraukia mylėtai stebimus natiurmortus, kurie sustiprina scenos natūralumą ir greitumą.
Simbolių veiduose, pozose ir gestuose nėra mažiausio patoso ir didingų jausmų. Heroes Caravaggio natūraliai elgiasi kaip paprasti, paprasti žmonės. Nuoširdžiai sielvartu, jie nulenkė galvą, tarsi jie būtų sulenkti pagal jų nelaimės svorį. Dėl žiūrėjimo kampo žiūrovas yra įtrauktas į paveikslėlį. Ryškaus šviesos srauto kontrastas ir tamsioji nuotraukos dalis pabrėžia viso kanėlio gėdingą išraiškingumą.
Net ir tuo atveju, kai yra apsilankymas iš išorės, kaip sparnuotasis Amuras „muzikantuose“, jis tai elgiasi kitaip, visada atidžiai stebėdamas sienų tarp dažyto pasaulio ir mūsų pačių sunaikinimą. Muzikiniai Caravaggio paveikslai, padengti visoje Europoje savo pasekėjų darbe, kurie padarė savo naujoves žanre. Šioje scenoje Caravaggio rodo, kad kai kurie jauni muzikantai rengiasi koncertuoti. Mes esame labai arti numerių, tarsi mes turėtume tą pačią erdvę. Caravaggio sunaikina meno ir gyvenimo ribas, o mūsų realybė ir spalvotas pasaulis susipynę.
Čia yra keletas kompozicijos simbolių. Kristaus kūną palaiko jaunasis Jonas evangelistas, kuris prieš mirtį Jėzus patikėjo savo motinos priežiūrą. Gelbėtojo kojos laikomos Juozapas iš Arimathėjos; šis žmogus gavo leidimą nuimti Kristaus kūną nuo kryžiaus ir tada įdėti jį į karstą, kurį jis paruošė sau. Iš moterų kairėje, Jėzaus motina, Mergelė Marija.
Instrumentai yra modernūs, tačiau muzikantai dėvi senovinę suknelę. Lute žaidėjas koreguoja savo instrumentą, o rago grotuvas sugauna mūsų žvilgsnį. Kiti jaunuoliai studijuoja muzikinį rezultatą; tai nebėra suprantama, bet, be abejo, meilės ženklai yra madrigalai. Sparnuotasis kupidonas su rodyklėmis, valdančiomis kai kurias vynuoges, aiškiai išreiškia muzikos ir meilės ryšį. Vynas, kaip ir muzika, daro dvasios blizgesį. Šis paveikslėlis priklausė kardinolui Francesco Maria del Monte, kuri savo rūmuose surengė koncertus ir pakvietė muzikantus gyventi savo namuose su tokiais menininkais kaip Caravaggio.
2. Mitologinis paveikslas: „Bacchus“ (1592-93)
Šis vaizdas taip pat puikiai atspindi naujovišką Caravaggio stilių, jo netradicinį požiūrį į apskaitos barelių interpretaciją: jo Bacchas jokiu būdu nėra panašus į neprieinamą patos dievybę. Atvirkščiai, jis atrodo kiek įmanoma arčiau tikro jaunuolio: pasilepęs ir iš dalies vulgarus jaunuolis, pusiau girtas išvaizdos, kuris pasuko į nuogą, nuobodus veidą žiūrovui ir laikė puodelį vyno su subtiliai išlenktais pirštais, „puošia“ su storu sluoksniu po nagais. Kruopščiai parašyta informacija rodo visą vaizdą. Paveiksle esantys vaisiai ir raugai pritraukia beveik daugiau dėmesio nei pats Bacchus. Tarp svarainių, vynuogių, granatų, obuolių su vikšrų pėdsakais. Vaisiai, kurių dauguma yra atspindėti apleistoje, nevalgomoje valstybėje, tiki, kritikuoja pasaulietiškos tuštybės silpnumą.
Jo intensyvi išraiška rodo, kad jis vienu metu klausosi garso ir pasirenka žiūrovą, jo auditoriją. Lentelėje aiškiai aprašyti kilimai ir natiurmortų objektai panašūs į panašius Caravaggio pristatymus. Natiurmortas, kaip efemerinė muzika, mums primena gyvenimo džiaugsmus, bet ir malonumas yra trumpalaikis. Menininkas taip pat užsimena apie penkis pojūčius: klausą, skonį, kvapą, žvilgsnį ir liesti. Vienas iš Caravaggio biografų rašė, kad „jis taip pat nudažė berniuką, kurį įkvėpė gėlių ir vaisių driežas; tu gali beveik išgirsti berniuką verkti, ir tai buvo atlikta kruopščiai. "
Autorius, atrodo, sako, kad tai nėra Bacchus, bet visiškai visiškai paprastas žmogus, kuris prijungė senovės Dievo atributus ir žiūrėjo į žiūrovą su baisiu ir tuo pačiu budriu žvilgsniu nuo jo pusiau tuščių blakstienų. Tačiau jausmingas vaizdo žavesys yra toks didelis, kad žiūrovas nesijaučia ironijos ar neigiamo kritimo.
Paveiksle buvo pateiktos įvairios interpretacijos. Kaip alegorija, ji suteikia pagrindą mokytis, kaip fiziškai išreiškia emocijas, o galbūt Karavaggio reiškia visus penkis pojūčius. Vaisių ir rožių, bendrų meilės simbolių, pobūdis, jis remiasi senaisiais patarliais - skausmas gali sekti malonumu, o meilė yra rožė su erškėčiais, kuri sutrumpina.
Kortelės ir pasisekėjai. Jauni Caravaggio pristatė dar vieną naują tapybos tipą romėnų meno pasaulyje, savo scenomis iš jūros pusės, jo sukčiavimą ir gudrybės. Šiuos darbus jis parašė dideliu mastu su pusiau pjovimo figūromis, ir jie buvo vienas iš labiausiai paplitusių kūrinių. Jo pasekėjai grojo nesuskaičiuojamus variantus tomis pačiomis temomis, stengdamiesi išsiskirti subtilumo ir humoro ir mimikos džiaugsmo lygiais. Šios labai animacinės kompozicijos įkvepia gudrių kortelių, laimės kareivių, kvailų apgaulių, jausmingų ir apgaulingų čigonų moterų, kišeninių kišenių ir grobių.
Ši drobė puikiai atvaizduoja menininko parašo funkciją, rodančią švenčiantį žaidimą panašų pradžią, ir netgi erotinius užrašus senovės sklypuose.
Paveikslas saugomas Florencijos Uffizi galerijoje.
3. Portretai: „Lyutnist“ (1595)
Šis vaizdas vizualiai puikiai pažįstamas net ir tiems, kurie nėra susipažinę su menininko darbu. „Jaunas žmogus su liute“ (antrasis paveikslėlio pavadinimas) yra ankstyvas menininko darbas, bet jau buvo atskleisti visi meistro meninės kalbos bruožai, jo noras perteikti aplinkinį pasaulį.
Tokiuose darbuose Caravaggio ir jo pasekėjai sukūrė išradingus būdus, kaip įsitraukti į mus. Šias juokingas moralizuojančias nuotraukas perskaitome gestais ir išraiškomis, bet apgaulei išspręsti reikia laiko. Nepaisant to, kad jis užšaldė statinį vaizdą, atrodo, kad istorija atsiskleidžia mūsų akyse, kaip vienas iš populiariausių jo įkvėpimo spektaklių.
Menininkas plėtoja apgaulės temą, tapydamas savo temas tokiu aukštu natūralizmo lygiu, kad žiūrovas yra apgautas ir nustebintas jo įgūdžiais. Nuplėšta jų kortelėse, cheater nesuvokia, kad vyresnysis kortelė pasirašo signalus savo bendrininkui, kuris pasiekia paslėptą kortelę iš savo kelnių. Pirštų pirštai rankose yra apgaudinėjami siekiant geriau jausti pažymėtas korteles. Anot ankstyvojo biografo, kardinolas Francesco Maria del Monte, puikus meno globėjas, netrukus po to, kai nupirko šį paveikslą, paėmė jaunąją Caravaggio šeimą.
Paveiksle vaizduojamas muzikantas, grojantis liutą. Jo figūra, apsirengusi baltu marškiniu, aiškiai išsiskiria nuo tamsios fono. Įkvėptas muziko veidas su pusiau atidarytomis lūpomis ir šlapiu blizgesiu savo svajingomis akimis atneša į kasdienę sceną poetinę nuotaiką ir sveiką jausmingumą. Apšvietimo poveikis dar labiau pabrėžia šventinę ir lyrinę muzikos kūrimo atmosferą.
Jo rūmuose jis pakabino šalia „čigonų likimo“. Kartu jie tikrai priminė kardinolui ir jo svečiams pasakojimą apie nekaltą sūnų, įspėjantį apie godumo ir sukčiavimo kančias. Caravaggio šį klausimą svarstė ne kaip prieskonių karikatūrą, bet naują būdą, kuriuo gestų ir žvilgsnio sąveika sukelia apgaulės dramą ir praranda nekaltumą žmonijos požiūriu.
Jis struktūrizuoja vaizdą, kad galėtume liudyti viską, įtraukdami mus į apgaulę. Karavaggio pateisino savo šventuosius kasdienėje realybėje, nurodydamas savo dvasines valstybes gamtos reiškiniusypač šviesa. Ankstyvojoje Šv. Pranciškaus nuotraukoje jis parodo šventojo ekstazę - jo mistinį atpažinimą su Kristumi - stipria šviesa ant jo figūros ir paguodos angelo. Dievo malonę šviesa parodo kituose šventųjų paveiksluose, pvz., Marijos Magdalietės perėjimo iš jos buvusio gyvenimo nuodėmėje scenoje.
Smuikas su lanku, esantis priešais muzikantą, tarsi kviečia žiūrovą prisijungti prie atlikėjo ir žaisti duetą. Kairėje, ant stalo yra vaisių ir daržovių, šiek tiek toliau gilumose matysite vazą su gėlėmis. Aštrių šoninių apšvietimų, nuosavų ir krintančių šešėlių dėka objektai yra beveik apčiuopiami ir svorio. Be to, natiurmortų objektai taip pat turi savo individualias savybes: sudaužytas pastabas, krekingo liūtą ir sukrėstą kriaušę.
Šv. Mato ir Jeromo paveiksluose, kuriuos daugeliu paminėjo Karavaggio, šviesa yra dieviškojo įkvėpimo metafora. Paprastai šventieji, atrodo, ateina iš tamsos į šviesą, kuri prideda dramą, simboliką ir masės jausmą, tarsi jie būtų nudažyti, ne tik nudažyti. Atskirai nuo romėnų ir Florencijos tradicijų, Caravaggio atsisakė savo kompozicijos rafinavimo pagal brėžinius, prieš pradėdama piešti, o vietoj to dirbo tiesiogiai iš gyvenimo modelio studijoje, išlaikydama ypatingą šio modelio išvaizdą, niekada nesuteikdama savybės ar kūno grožio idealui.
Įdomu tai, kad nuo XVII a. Diskusijos apie Caravaggio paveikslų herojaus lytį nesibaigė. Tačiau pats autorius sakė, kad už šį (ir kitus) paveikslus jis parėmė savo mėgstamą Mario Minniti, su kuriuo jis gyveno savo jaunystėje Romoje. Šio ciklo darbuose meilės jausmas yra simboliškai perduodamas per vaisių atvaizdus (tarsi kviečiant žiūrovą pasimėgauti jų skoniu) ir muzikos instrumentais (muzika kaip trumpalaikio jausmingo malonumo simbolis)
Poveikis, kuris yra esminis Caravaggio ir daugelio jo pasekėjų menas, buvo ryškus. Šiuo metu daugelis žmonių tikėjo, kad šventųjų simbolių, tokių kaip šventieji, tapyba ragino sukurti ypatingą, didingą stilių, kuris juos išskyrė nuo pasaulinės tikrovės čia ir dabar. Caravaggio radikalus nukrypimas nuo šio principo sukėlė aštrią kritiką. Jis buvo apkaltintas tiesiog kopijavimu, todėl negalėjo užfiksuoti didesnės tiesos. Tačiau kiti savo darbe pripažino naują religinio meno rūšį, kuri tiesiogiai padėjo tikintiesiems ir padėjo senas temas naujai ir gyvai.
Malonus yra tai, kad tapyba saugoma Sankt Peterburge, Ermitaže.
4. Savęs portretas: „Sick Bacchus“ (1573-1610)
Nepaisant pakartotinio kreipimosi į mitologinę temą, šis ankstyvojo Caravaggio kūrybiškumo laikotarpio šedevras priklauso menininko pačių portretams. Paveikslėlis, parašytas po jo buvimo ligoninėje, parodė pirmuosius dramos požymius, kurie pažymėjo brandaus tapytojo tapybą. Po ilgo laiko tarp gyvenimo ir mirties jis dažnai pasuko į šią valstybę savo drobėse.
Vardas atsirado vėliau, kai jaunuolio, atsigaunančio iš ligoninės, vaizduojamos ant drobės, asmuo pripažino vyno gamybos Bacchus dievą. Paveikslėlis buvo nudažytas per šį laikotarpį caravaggio gyvenimas Romoje Nesugebėjęs sumokėti modelio, menininkas nupiešė savo veidrodžio vaizdą. Tai leido palikuonims sukurti savo išvaizdos idėją.
Karavaggio, kur yra jaunimas, silpnumo tema labai sumaniai: labai spalvinga šalta, žalsvai mėlyna spalva - beveik fiziškai jaučiasi šaldymo būsena, kuri apima jaunuolį. Graikų dievas vyno ir įdomus sėdi toje pačioje aprangoje, kurioje dailininkas jį vaizduos po poros metų nuotraukoje, apie kurią mes jau pasakėme, kad dabar yra Uffizi galerijoje. Bet jei Bacchus ant Uffizi drobės yra pavaizduotas kaip sveikas, žydintis ir kviečiamas jo varčios galas, tai šis yra silpnas ir nemano, kad tortas ar niekas nekyla. Ant jo galvos yra pusiau išblukęs vainikas, neatskiriamas nuo vynuogių lapų, kaip turėtų būti. Ir apskritai tai nėra Bacchus, bet mirtingasis, kuris su jais apsirengęs, tarsi menininkas kalbėtų, siunčia mus iš dangaus į žemę.
Dabar darbas yra Borghese galerijos kolekcijoje Romoje.
5. Namų ūkio tapyba: „Sharper“ (apie 1596 g.)
Kaip jau minėta, Caravaggio - vienas iš žanro tapybos įkūrėjų. Kortų žaidimas gana dažnai kartojasi tema (jis pats buvo aistringas žaidėjas, o viename iš žaidimų atsirado šiurkštumas, dėl kurio buvo nužudyta, po kurios menininkas turėjo pabėgti).
Už grubaus medžio stalo eina kortų žaidimas, viena iš derliaus pokerio veislių. Kairėje, jaunas ir, matyt, nepatyręs žaidėjas atidžiai išnagrinėja jo korteles. Vidutinio amžiaus vyras, vienas iš cheats, žiūri per savo petį. Su šiais pirštais dešinėje jis suteikia slaptą ženklą savo partneriui, kuris sėdi priešais ir slepiasi už penkių geriausių kirminų. Kairėje pusėje priekinėje dalyje dėžutė stovi iš monetų pagamintos stulpelio, kurio objektas yra nešvarios poros noras.
Vaizdas pilnas vidinio dinamiškumo, žaidėjų personažai yra kruopščiai parašyti ir sukuria jų asmenybės įspūdį.
1627 m., Mirus kardinolo del Monte savininkui, jo nuosavybė buvo inventorizuota, bet tada prarado. Tapybos vieta nežinoma daugelį metų, ji atsitiktinai buvo aptikta Europos privačioje kolekcijoje tik 1987 metais. Šiuo metu drobė yra Kimbelio muziejuje.
6. Natiurmortas: „Vaisių krepšelis“ (apie 1596 m.)
Paveikslėlis yra orientyras, nes prieš Caravaggio, iš tikrųjų, neegzistuoja „gryniausia forma“ Europos tapyboje. Po Caravaggio šis žanras tapo labai populiarus. Norint kompensuoti „sklypo skurdą“, Caravaggio kurortas į iliuzionistinį prietaisą, padedantį paveiksle pavaizduotą vaizdą padaryti labiau monumentalią. Krepšelis yra žiūrovo akių lygyje, o stalo kraštas atskiria vaizdo erdvę nuo išorinės erdvės. Tačiau, atvaizduojant ant stalo stovintį krepšį tik dalis jo įkūrimo, menininkas gavo įspūdį, kad krepšys, iš dalies „nusileidęs“ nuo drobės, įsiveržė į žiūrovo erdvę. O vaisių paveiksle menininkas pasiekė beveik apčiuopiamą tūrį.
Paveikslas saugomas Milano Pinacoteca Ambrosian.
Įdomūs faktai
Caravaggio atsidavimas realizmui kartais buvo labai toli. Toks ekstremalus atvejis yra drobės „Lozoriaus prisikėlimas“ sukūrimo istorija. Remdamasis liudytojų ataskaitomis, rašytojas Susannas pasakoja, kaip menininkas nurodė neseniai nužudyto jaunuolio kūną, kuris buvo iškastas iš kapo ir pašalintas jo kūnas, kad būtų patikimesnis rašant Lazarą. Du samdomi sitters vienareikšmiškai atsisakė keliauti, laikydami savo rankose lavoną, kuris jau pradėjo suskaidyti. Tada, pyktis, Caravaggio sulaikė durklas ir privertė juos paklusti jo valiai.
Luteistas, Michelangelo Merisi da Caravaggio
"Lutnistas" - Caravaggio draugo, Milano muzikantas Gallusas, kurį jis susitiko per savo klajoklius, portretas.
Jaunas žmogus su vaisių krepšeliu Michelangelo Caravaggio
Menininkas, paveikęs visą Europos tapybą, prasidėjo ryškios spalvos ir lyrinės nuotaikos paveikslais. Jauni caravaggio metų Jis gyveno su turtingu meno globėju, popiežiaus prelatu Monsignor Pandolfo Pucci, vėliau su dailininku Cavalier d'Arpino, rašė baisius, gražius jaunus vyrus, grojo muziką, rankose laikydamas gėles ar vaisius ir žiūrėdamas į žiūrovą iš po pusiau uždarytų akių. ant šios drobės pavaizduoti simboliai.
Paveikslėlyje yra jausmingumas, kuris žymi panašius ankstyvojo laikotarpio meistro drobes: gražus gatvės berniukas paėmė gražią pozą, šiek tiek pakreipdamas galvą, nuleidęs marškinėlį iš vieno peties ir švelniai paspaudęs krepšį sau. Bet jei žmogaus įvaizdis vis dar yra idealizuotas, tuomet Caravaggio-realisto talentas, kuris netrukus paskelbė save, pasireiškė čia pateiktame natiurmėje. Menininkas meistriškai parašė ne tik aksominę persikų ir blizgančių obuolių odą, bet ir vaisių bei džiovintų lapų tamsias dėmes.
Tapybos muzikantai, Michelangelo Merisi da Caravaggio
Šio darbo rašymo metu Michelangelo da Caravaggio vis dar buvo jaunas ir, nepaisant savo drąsios nuotaikos, jo globėjas, kardinolas Fran-cesco Del Monte, gyveno gana tyliai. Dailininkų ir jo aistros įvykių dramatiškų įvykių laikas, tapybos šviesos ir tamsos kova, kuri turės didelę įtaką visai Europos tapybai, dar neatėjo. Jo nuotraukos vis dar yra šviesios ir lyriškos. Dažnai jie groja muzika, kaip ir pristatomame darbe, kuriame klesti jaunimas ir dailus menas susilieja.
Muzikantas, sėdintis ant drobės su nugarą žiūrovui, atidarė rezultatą. Ant jo matomas užrašas, kuris turėtų tiksliau paaiškinti, kas vyksta. Tai yra dažnas priėmimas Caravaggio darbuose, bet niekas dar negalėjo skaityti. Berniukas su ragu fone yra anksčiausias menininko portretų, kurie dažnai vaizduos save savo paveiksluose, ir tai yra paskutinis Caravaggio savęs portretas, kuriame matome jį ramiai.
„Muzikantuose“ vis dar galite išgirsti renesanso kvapą. Tačiau tankioje ir sudėtingoje kūrinio kompozicijoje jaučiami įtempimai ir nedideli nervų drebuliai, išskiriantys baroko meną, susuktiose drabužių ir užuolaidų audiniuose.
Tapyba Bacchus, Michelangelo Caravaggio
Caravaggio (1571-1610), stovėdamas baroko pradžioje, šį paveikslą nudažė dar gana ramiu jo gyvenimo laikotarpiu. Taigi temos pasirinkimas - Bacchus, graikų dievas vynui ir linksmybei, kurio kapitonas parodė jaunam žmogui apgaubtą išvaizdą, švelnų gestą, leidžiantį žiūrovui stiklinę vyną.
Jo stiprus, raumeningas kūnas yra sveikas, jo skruostuose groja subtilus skaistulys, jo lūpos yra pilnos ir pūlingos, o drobės spalva palieka šventės jausmą. Bet vaisių vazoje prieš Bacchus nėra toks šviežias: obuolys yra supuvęs, ant jo yra kirminas. Ir vynuogių lapai herojaus vainikuose jau išnyks.
Caravaggio nebijo branginti gyvenimo, nes jis jautėsi paslėpta drama, kuri atsispindėjo jo būsimame mene, kuris turėjo įtakos visai Europos tapybai. Dar kartą menininkas sugrįžo į linksmų senovės dievo temą, tačiau savo įvaizdyje apie save fiziškai ir protiškai išnaudojo ligą („Sick Bacchus“ drobė, laikoma Borghese galerijoje Romoje).
Šv. Jono Krikštytojo, Michelangelo Caravaggio
Tikriausiai šis Caravaggio kūrinys buvo vienas iš trijų paveikslų, kuriuos jis paėmė su juo, eidamas iš Maltos į Romą, tikėdamasis, kad po nužudymo iš popiežiaus Pauliaus V. buvo atleistas. Menininkas norėjo paaukoti šiuos drobes savo sūnėnui, kardinolui Shipionui Borghesei, prašyti už kaltę prieš pontifikatą. Dailininkas niekada nebuvo sugrįžęs į Amžinąjį miestą, miręs kelyje, bet likusios drobės liudija apie proto būseną, kurioje jis buvo pastaraisiais metais gyvenimą.
Šv. Jono Krikštytojo, kuris nuo renesanso dažnai buvo pavaizduotas ne kaip brandus žmogus, bet kaip jaunas žmogus, sėdi prarastą mintį. Jo išvaizda užpildyta liūdesiu, ir nei šilta šviesa, pilanti figūrą, nei raudona drapė, neišsklaido šio jausmo. Karavaggio prasidėjo ryškiomis ir laimingomis nuotaikomis, tada jis parašė aistrų ir aštrių dramų pilnus darbus, ir pagaliau atėjo į tapybą, užpildytą tragišku buvimo jausmu, kurį jis sukūrė savo trumpo gyvenimo pabaigoje. Menininko darbas atspindėjo jo paties gyvenimo kelią.
Izaoko aukojimas, Michelangelo Caravaggio
Drama, kuri Caravaggio darbe visapusiškai išaugo, pasirodė pateiktame darbe, tuo labiau, kad ši istorija prisidėjo prie jo. Paveikslas buvo parašytas kardinolui Maffeo Barberiniui, kurio globą naudojo menininkas. Jis vaizdavo tą momentą, kai Biblijos vyresnysis Abraomas ketino paaukoti savo sūnų Izaoką, kaip nurodyta, siekiant išsiaiškinti jo tikėjimo, Dievo, gylį.
Per trumpiausią laikotarpį Caravaggio sugebėjo prisitaikyti prie keleto sunkių veikėjų, atliktų pagal personažus: tėvas, turintis savo sūnaus galvą su ranka, pakėlė peilį ant jo, sūnus šaukė baimės, bet Dievo atsiųstas angelas sustoja Abraomui ir nurodo jam auką.
Paveikslėlis yra toks kupinas emocijų, kad net ir angelas nerimauja, o ėriukas su nerimastinga išvaizda traukia galvą, tarsi jis maldintų jį įdėti į Izaoko vietą. Horizontaliai atsiskleidžianti kompozicija išplečia visus veikėjų veiksmus laiku, verčia juos ir žiūrovą patirti dar labiau čia pristatytą dramą. Nenuostabu, kad baroko, protėvio ir vieno iš ryškiausių atstovų Caravaggio paveikslas iš esmės buvo aistrų įtampa.
Tačiau menininkas ne tik vaizdavo žmogiškąją patirtį tam tikru momentu - jis nuėjo toliau, gilindamasis psichologiškai. Taigi, Abraomo akivaizdoje atsispindi nuoširdus tikėjimas ir tėvo meilė, kovojantys viduje. Kraštovaizdis, įsišaknijęs į priešpriešą fone, sustiprina dramą, tačiau miestas ant kalno ir šviesaus dangaus akcentuoja laimingą pabaigą, kuris netrukus ateis.
Vakarienė Emmaus, Michelangelo Caravaggio, 1601 m
Netrukus po to, kai Kristus buvo nukryžiuotas ir prisikėlęs, Kleopas ir jo kiti beprasmiški mokiniai nuėjo į Muską, kaimą netoli Jeruzalės. Kelyje, Jėzus susitiko su jais, prisijungė prie jų, bet keliautojai nepripažino Jį. Tada jis pasiliko su jais namuose, kaip jau buvo vėlai, ir po to, kai su jais degindavo maistą, mokiniai pripažino Jėzų, bet jis jiems tapo nematomas.
Naujoviškas sklypo aiškinimas daro šį Caravaggio vaizdą unikalų reiškinį. Kristus pasirodys paveikslėlyje kaip beprasmiškas, mokinių, kurie suvokia, kad Mokytojas yra priešais, jaudulys išreiškiamas išraiškingais gestais ir veido išraiškomis. Be to, Caravaggio daug dėmesio skiria visam gyvenimui, kuris turi simbolinę reikšmę. Buvo daug bandymų ją atskleisti. Vištienos ant plokštės aiškinama kaip mirties simbolis, juodosios vynuogės taip pat nurodo, o baltas - Prisikėlimo personifikacija. Kitas Prisikėlimo simbolis yra granata. Vertybių sistemoje esantys obuoliai yra „skaityti“ dviem būdais: tiek kaip malonės vaisiai, tiek kaip nuoroda pradinė nuodėmėišpirkti Kristaus krauju. Pažymėtina, kad iš tikrųjų pavasarį, kai sklypas vyksta, tokie vaisiai negalėjo būti ant stalo. Tai tik įrodo jų simbolinę reikšmę.
Paveikslas „Vakarienė„ Emmaus “buvo parašytas romėnų aristokratui ir bankininkui Chiriaco Mattei. 1602 m. Caravaggio už savo darbą sausio 1 d. Gavo 150 karūnų. Vėliau darbą įgijo kardinolas Scipio Borghese.
Marijos mirtis, Michelangelo Merisi de Caravaggio
Šiame paveiksle, parašytame Trastaverio Santa Maria della Scala Romos bažnyčios altoriui, Caravaggio, menininkas-reformatorius, interpretuoja tradicinę Dievo Motinos priespaudos sklypą. Tradiciškai išvykimas nuo Mergelės Marijos gyvenimo nebuvo tragedija, nes Mergelė Marija, gyvenusi senatvėje, pakilo į dangų po mirties ir visam laikui susijungė su savo mylimuoju Sūnumi.
Caravaggio šioje istorijoje tiksliai matė tragediją, kuri apaštalus įžengė į gilų liūdesį. Išvykusios Mergelės įvaizdis per daug iškalbingai kalba apie patirtas kančias ir mirtiną agoniją. Jos kūnas yra parašytas realistiškumo laipsniu, kuriuo klientai nebuvo pasirengę, be to, artimiausias menininkas - lengvos dorybės mergaitė - buvo pavyzdys labiausiai grynajai Virginijai. Tai buvo priežastis, dėl kurios klientas atsisakė užbaigto vaizdo.
Apaštalo Mato mocyro, Michelangelo Caravaggio
Ši didelė dramatiška drobė buvo parašyta 1599–1600 metais. „Contrarelli“ koplyčia San Luigi dei Francesi bažnyčioje Romoje. Neretai kabantis šventojo rankos ir neįtikėtinai apšviestos figūros priekyje atneša žiūrovą tiesiai į smurto vietą. Dviejų centrinių figūrų apšvietimas pabrėžia galingą kunigaikščio raumenų kūno ir seno vyro, kuris bejėgiai paplito žemėje kunigo drabužiuose, kontrastą. Matthew kūnas su savo rankomis išsiskyrė kryptimi, tarsi formuotų kryžių prie kalinio kojų. Neremiamas pilis, angelas, išplečia palmių šaką, kankinių simbolį, kurį jis bando paimti.
ST. Matthew. Apaštalas Matthew ar Levis yra angelas su sparnais. Matthew buvo mokesčių rinkėjas Romos valdžios institucijoms. Bet vieną dieną Kristus pasuko į jį ir tarė: “Sekite mane. Jis pakilo ir sekė Juo. Nėra patvirtintų įrodymų apie jo vėlesnį gyvenimą, tačiau legenda 2 sako, kad jis pamokslavo Etiopijoje, kur karalius pradėjo prašyti paprastos krikščioniškos mergaitės. Matthew pasmerkė jį už Kristaus nuotaka ir dėl to mirė kankinio mirtis. Tapybos meistrai, kaip taisyklė, vaizduoja Matthew, paprastai rašydami angelą. Su juo gali būti monetų ar piniginės - jo buvusio laivo atributai; Florencijoje Matthew buvo laikomas pinigų keitėjų ir bankininkų globėja.
Dovydas su Golijo, Caravaggio, galva
Galingas, neribotas temperamentas, pasireiškiantis Caravaggio darbuose, gyvenime dažnai trukdė. „...„ Campo Marzio “aikštėje,„ kriminalinėse bylose, apie kurias pranešta 1606 m. Vieno lyderis buvo Ranuccio da Terni, kuris mirė po ilgos kovos; kitos pusės vadovavo šiandien žinomas tapytojas Michelangelo da Caravaggio, kuris, kaip manoma, buvo sužeistas, bet jo buvimo vieta nežinoma. (...) Šis incidentas sukėlė ginčą dėl 10 baisių, kuriuos mirusysis nugalėjo tapytoją. “ Caravaggio buvo nuteistas mirties bausme, jis pabėgo į Neapolį ir po to į Maltą. Ten, netoli savo gyvenimo pabaigos, jis nudažė paveikslą, vaizduojantį piemenį Dovydą su milžinišku Goliathu, kurį jis nugalėjo.
Iš storo tamsos atsiranda jaunas žmogus, turintis rankoje atjungtą galvą. Manoma, kad milžiniškas veidas yra menininko portretas. Panašų metodą - savo įvaizdžio dramatiškam kontekstui - panaudojo dailininko vardas, Michelangelo Buonarroti, Siksto koplyčioje sukūręs „Paskutinį teismą“ - ant jo laikomos odos įspausta dailininko galva.
Caravaggio sustiprino kartaus liūdesio jausmą, kuris kyla iš jo paveikslo, nes jis neįprastai nusprendė Dovydo įvaizdį: nugalėtojas pats atrodo nugalėtas, žiūrėdamas į rankas su kančia.
Sick Bacchus, Michelangelo Caravaggio paveikslėlis
Pirmieji dramos požymiai, pažymėję brandžią Caravaggio tapybą, pasireiškę šiame paveikslėlyje, parašyti po jo buvimo ligoninėje. Po ilgo laiko tarp gyvenimo ir mirties jis dažnai pasuko į šią valstybę savo drobėse.
Tačiau, nors jaunimo Caravaggio silpnumas buvo su humoru: pats, dar neatsigavęs nuo sunkios ligos, kaip matyti šviesiai odai, žalsvai veidui, silpnumui, kuriame buvo vynuogių krūva, jis pristatė Bacchus. Graikų dievas vyno ir įdomus sėdi toje pačioje aprangoje, kurioje dailininkas jį vaizduos po kelerių metų nuotraukoje dabar Uffizi galerijoje. Bet jei Bacchus ant Uffizi drobės yra pavaizduotas kaip sveikas, žydintis ir kviečiamas jo varčios galas, tai šis yra silpnas ir nemano, kad tortas ar niekas nekyla. Ant jo galvos yra pusiau išblukęs vainikas, neatskiriamas nuo vynuogių lapų, kaip turėtų būti. Ir tai nėra Bacchus, bet mirtingasis, kuris juos apsirengęs.
Gyvenimas, kaip ir jo kančia, žmogiškasis silpnumas ir bandymai išsaugoti save - tai tema, kuri galiausiai tapo pagrindiniu Caravaggio menininku. Tikroji drama išsiskleidė tada, kai buvo drobės. Tuo tarpu jis juokavo žmogaus žemiškąją prigimtį ir taip bandė šiek tiek pakilti virš jo.
Madonna Palafregnieri (Madonna su gyvatė), Michelangelo Caravaggio
sek: Michelangelo Caravaggio
Parodytas muziejuje: „Borghese“ galerija (Roma)
Metai: 1605-1606
Dievo Motinos įvaizdis su Kristumi ir Šv. Ana Caravaggio, kurį užsakė popiežiaus raiteliai (iš italų „palafrenieri“ - „grooms“) už pagrindinį Šv. Anos bažnyčios altorių netoli Šv. Petro katedros Romoje. Antras paveikslo vardas buvo dėl to, kad čia gyvena gyvatė - blogio simbolis, kurį Marija ir Kristus užplūsta.
Katedroje katedros darbas, kurio menas viršijo kanonus, buvo tik kelias dienas. Kartu su Caravaggio, kad dvasininkai nepasitenkino, jo darbai paliko šventyklų sienas ir apsigyveno privačiose kolekcijose. Šiuo atveju vaizdas buvo „Shipione Borghese“ kolekcijoje. Priežastis, kodėl ji buvo pašalinta iš bažnyčios, greičiausiai buvo tokia: menininkas vaizdavo Aną, Mariją ir Kristų tokiu drąsumu ir tokiu realistišku požiūriu kurti vaizdus, tarsi rašydamas vieną iš savo bendrų ir vargšų amžininkų.
„Jis tiki, kad ... niekas negali būti geresnis nei sekti gamtą“, - rašė jo šiuolaikinis, olandų menininkas ir meno istorikas Karelas van Manderas apie Caravaggioną. „Iš to aišku, kad jis nepadaro nė vieno šepečio smūgio, nesimokydamas gyvenimo, kurį jis kopijuoja ir rašo.“ Bet būtent gyvenimo tiesos pranašumas, noras priartinti dievišką žmogų, ir tai buvo Caravaggio naujovė, kuri sukėlė Europos menininkų meną.
Tačiau Caravaggio puikiai žinojo, kaip „nukreipti“ sceną, kurią jis suvokė kaip tikrą baroko menininką, iš kurio jis buvo vienas iš įkūrėjų. Ir jo „tenebrozo“ stilius (išverstas iš italų kaip „tamsus, tamsus“), kai šviesos spindulys peržengia tamsą ir apšviečia simbolius, sustiprina vaizdo teatralizacijos momentą.
Tapyba Saint Jerome, Michelangelo Caravaggio
Šiame paveiksle, kurį Caravaggio parašė specialiai Schipione Borghese, menininkas vaizdavo Šv. Jeromą už savo mokslinius darbus.
Šviesa, kuri pila per nematomą langą, iš aklumo sunaikina raudoną šventojo apsiaustą, jo galvą su stačiu, ryškiu mąstytojo kaktu, knygomis, kaukolę ant stalo. „Caravaggio ... vis labiau populiarėja kiekvieną dieną, - rašė biografas Giovannis Pietro Bellory apie jį,„ daugiausia dėl jo spalvos “, nebėra minkštas ir lengvas, kaip ir anksčiau, bet prisotintas, su stipriais šešėliais, ir jis dažnai naudojo daugybę juoda, kad suteiktų reljefą formoms. Ir prieš tai jis susidomėjo tokiu būdu, kad jis daugiau neišleido jokių savo figūrų saulėje, bet įdėjo į uždarą patalpą ... naudodamas šviesos spindulį, kuris vertikaliai nukrito ant pagrindinių figūrų dalių, paliekant viską kitam atspalvyje, kad šviesa ir šešėlis suteiktų aštrią šviesą poveikį. Tuomet romėnų dailininkai džiaugėsi šia naujove, ypač jaunais ... “
Šventasis Jeromas, vienas iš bažnyčios tėvų, Biblijos vertėjas į lotynų kalbą, panardino į dieviškąją knygą, ant kaktos - ekstremalios koncentracijos antspaudą, ranką. Tuo pačiu metu menininko sukurtas įvaizdis taip pat primena tapybos herojaus dykumoje gyvenimą, kur jis meldėsi ir atgailavo dėl savo nuodėmių, kaip liudija jo atsiskyrėlis. Kaukolė, viena iš Jerome savybių, iliustruoja lotyniškąjį žodį „memento mori“ - „prisimink mirtį“, bet taip pat simbolizuoja žmogaus dvasios pergalę per mirtingąjį kūną. Tarp šio simbolio ir šventojo yra atsiskleidusi Biblija kaip kelias, kuris turi būti perduodamas iš vien tik mirtingojo gyvenimo į dvasios aukštį. Horizontaliai ištempta kompozicija, tokia mylima menininko, nurodo šį tolimą atstumą, bet ranka su plunksnomis ją palieka.
