Caravaggio Bacchus apraksts. Alekskndr Makhov. Dāvids ar Golijas galvu Karavagžo
Viņš tiek saukts par XVII gs. Eiropas vizuālās mākslas reformētāju, kurš pirms daudziem laikiem atnesa daudz jaunu lietu. Ja agrāk tajos laikos dominēja reliģisko audeklu attēli, tad ar Caravaggio atnākšanu to attēlošanā tika izmantots maksimālais naturalisms. Viņš bija viens no pirmajiem, kas izmantoja jaunu "kyaroskuro" rakstīšanas metodi - asu opozīciju pret gaismu un ēnu. Rakstveida attēlu reālisms padarīja senos dievus, kristiešu svēto un mocekļus tuvāk dzīvo cilvēku pasaulei, viņi skaidri lasīja individualitāti un raksturu, kas mazināja viņu patosu, padarīja mākslu vairāk "demokrātisku". Visas detaļas, pat nelielas, tika izvilktas ļoti uzmanīgi, kas radīja realitātes, “tangibility” efektu. Caravaggio ir devis nozīmīgu ieguldījumu jaunu šī laika mākslas virzienu - mājsaimniecības žanra un klusās dabas - attīstībā, ko iepriekš dēvē par "zemiem" žanriem.
Jauns vīrietis ar augļu grozu, Michelangelo Caravaggio
Ar šiem attēliem Šermans uzsver make-up, matu, izteiksmes un pozas transformācijas īpašības, kā arī stereotipu kā kultūras klišeju raidītāju spēku. Šermans, būdams sitter un fotogrāfs, izjauca ierastās varas dinamiku starp modeli un fotogrāfu un radīja jaunas iespējas, ar kurām jūs varat izpētīt pašas portreta fotogrāfijas ierīci. Skaitļi nav balstīti uz konkrētām sievietēm, bet mākslinieks tos izskatīja pilnīgi pazīstami cīņā ar neiespējamajiem skaistuma standartiem, kas dominē jauniešu un statusa apsēstajā kultūrā.
Jāatzīmē, ka, veidojot sarežģītus kompozīcijas, mākslinieks neizmantoja skices un skices, tūlīt realizējot ideju uz audekla.
Papildus unikālajam talantam mākslinieks bija ārkārtas cilvēks ar sarežģītu raksturu. Pati viņa dzīves stāsts ir gleznainā audekls, kas ir pilns ar kontrastiem: radošie līderi un panākumi iet roku rokā ar dueliem, cīņām un rupjību, un bruņinieku uzsākšanai seko ieslodzījums, aizbēgšana no Romas slepkavības dēļ, klīstot dažādās Itālijas pilsētās, un nāve 37 gadu vecumā gadu no malārijas un skumjas.
Šajā plašajā mērogā ir viegli atšifrēt rakstzīmju ievainojamību aplauzums, apģērbs un rotaslietas. Šo attēlu psiholoģiskais svars izpaužas kā novecošanas apraksta nepārprotamais godīgums, kosmētisko izmaiņu kontroles pazīmes un sīkas detaļas, kas atspēko rakstzīmju mēģinājumus projektēt pulētu un elegantu izskats. Tuvāk aplūkojot, tās atklāj tumšu realitāti, kas slēpjas zem spīdīgas pilnības virsmas. Tāpat kā lielākajā daļā viņas darbu, viņas sabiedrības portretos Šermanam bija ievērojama spēja vadīt gara garu.
Sākot savu radošo ceļu no ciešanām Romā: Caravaggio sasniedza prestižo pozīciju un guva nepārprotamu viņa darbu apstiprinājumu viņa dzīves laikā, ar kuriem daudzi talantīgi meistari ne vienmēr bija laimīgi. Viņam tika doti daudzi pavēles.
Jāatzīmē, ka klienti ne vienmēr saprata mākslinieka inovāciju: daži darbi tika uzskatīti par nepiedienīgiem, jo pastāvīgi tiek ievērota dzīves un ķermeņa tēla patiesība, taču tas neļāva noraidītajiem darbiem pārdot apgaismotai sabiedrībai, kas augstu novērtēja gleznotāja talantu.
Starp daudzajām mūsdienu identitātes atkārtojumiem šie attēli izceļas kā provokatīvi, attaisnojoši, jutīgi un noslēpumaini. Tā kā lielākā daļa Šermana gleznu attēlo mākslinieku kā modeli, viņi demonstrē vienu raksturu. Ja agri darbi attēlo viena rakstura kustības un žestus kosmosā, vairāki jaunāko darbu skaitļi savstarpēji mijiedarbojas, lai izveidotu tabulas.
Kritiskais attālums starp abām aprikozēm un pielūgtā atloks uz pedimenta vienā attēlā. Krāpšanas jaunības nevainība Kartahārā. Dziļi, apvainojošas ēnas Svētā Jāņa Kristītāja acīs tuksnesī. Pārsteidzoši skaisti ādas toni Saint-Sebastian Gerrit van Henthorst un līdzīgi asinīm no kājas ir brūces kreisajā pusē divos virzienos: vienā virzienā, kad Saint-Sebastien stāvēja, vienu, kad viņš krita.
- Fona ārstēšana zēnam, ko ķirsis ķirzaka.
- Šī attēla roku spriedze.
- Sick Bacchus ādas āda.
- Krāsa vīnogu ķekars vienā attēlā.
„Vecherka” atgādina 6 no lielākajiem mākslinieka gleznojumiem, kas izgatavoti dažādos žanru virzienos.
1. Reliģiskā glezna: "Kapa stāvoklis" (1602-1604).
Viens no mākslinieka monumentālākajiem darbiem. Glezna bija paredzēta romiešu baznīcas Chiesa Nuova altārim. Ilgu laiku to uzskatīja par vissvarīgāko mākslinieka šedevru. 1797.gadā franču valoda viņu aizveda uz Parīzi uz Napoleona muzeju. 1815. gadā audekls tika atgriezts un kopš 1820. gada atrodas Vatikānā Pinakothekā.
Viens no ietekmīgākajiem figūrām mākslas vēsturē Caravaggio atcēla dienas mākslinieciskās tradīcijas un radīja satriecoši dramatiskas gan svēta, gan laicīgas gleznas. Šī ambiciozā izstāde atklāj viņa darba pamatīgās sekas plašam itāļu, franču, holandiešu, flāmu un spāņu izcelsmes mākslinieku lokam, kas dzīvoja Romā. Organizējot pēc tēmas, tajā ir vairāk nekā 50 gleznas, ar nepārspējamu Caravaggio attēlu, kas ir salīdzināms ar tiem, kurus viņš iedvesmojis.
Šī ir otrā lielākā viņa gleznu izstāde Ziemeļamerikā un tikai trešā Caravaggio izstāde, kas notiks ASV. Daudzi no Caravaggio agrīnās gleznas rāda skaistus jauniešus individuāli vai grupās. Šķiet, ka viņš atkārtoti izmantoja tos pašus iecienītākos modeļus - un dažreiz viņa paša iezīmes, ko mūsdienu mūs stāsta, studējis spogulī. Mākslinieku karnevāla gleznas piesaistītu romiešu kolekcionāriem, kuri bija kaislīgi mākslas patroni un, iespējams, tika radīti, lai izrotātu priekšnesumus.
Ar Bībeles ainām Caravaggio ieradās viņa pilnīgākā darbā. Tajos mākslinieks atrada mūsdienu dzīves drāmu. Apzināti drīzāk interpretējot augstos attēlus, aizejot no augstākās skaistuma un varonības, viņš cenšas paaugstināt skarbo realitāti leģendas, mīta. Un otrādi, lai pazeminātu reliģisko varoņu pompozitāti uz populārās dzīves drāmu un apbēdinātu Kristu uz notikumu, ko visi saprot.
Viņiem ir sapņains, nedaudz melanholisks gaiss. Ja mīlestības dziesmas, kā mēs varam iedomāties, noteikti ir par mīlestības sāpīgo pusi, nevis tās priekiem. Jaunākās Caravaggio paaudzes agrīnie attēli parasti ir jutekliskas baudas ainas, bet ar iebūvētu brīdinājumu pret indulgenci, jo tad, kad jaunietim ir ķirzaka pirksts, slēpjas dažos augļos. Viņš mūs tuvina saviem skaitļiem, bieži piespiežot viņus sazināties ar mums un ietver mīlīgi novērotas klusās dabas, kas uzlabo skatuves dabiskumu un neatliekamību.
Rakstzīmju sejās, pozās un žestos nav ne mazākās mājienu par patosu un augstām jūtām. Varoņi Caravaggio dabiski izturas kā parasts, vienkāršs cilvēks. Patiesā skumjā viņi noliecās galvu, it kā tie būtu saliekti zem tiem, kuri bija nonākuši nelaimē. Skata leņķa dēļ skatītājs ir iekļauts attēlā. Spilgtas gaismas plūsmas kontrasts un attēla tumšā daļa uzsver visa audekla sāpīgo izpausmi.
Pat tad, kad ir ārpuskopienas apmeklējums, tāpat kā spārnotais Amūrs “mūziķos”, viņš to izturas atšķirīgi, vienmēr pievēršot uzmanību robežām starp apgleznoto pasauli un mūsu pašu. Caravaggio muzikālie gleznojumi, kas visā Eiropā ir iekļauti viņa sekotāju darbā, kuri radīja savus jauninājumus žanrā. Šajā skatījumā Caravaggio rāda, ka daži jaunie mūziķi gatavojas koncertam. Mēs esam ļoti tuvu skaitļiem, it kā mēs koplietotu to pašu telpu. Caravaggio iznīcina robežas starp mākslu un dzīvi, un mūsu realitāte un krāsaina pasaule ir savstarpēji saistītas.
Šeit ir dažas rakstzīmes rakstā. Kristus miesu atbalsta jaunais Jāņa evaņģēlists, kurš pirms viņa nāves Jēzus uzticēja mātes aprūpei. Glābēja kājām pieder Jāzeps no Arimathea; šis cilvēks ieguva atļauju izņemt Kristus miesu no krusta un pēc tam to ievietot zārkā, ko viņš bija sagatavojis sev. No sievietēm kreisajā pusē, Jēzus māte, Jaunava Marija.
Instrumenti ir mūsdienīgi, bet mūziķi valkā antikvāru kleitu. Lute spēlētājs pielāgo savu instrumentu un ragu spēlētājs noķer mūsu skatienu. Citi jaunieši studē muzikālo rezultātu; tas vairs nav saprotams, bet neapšaubāmi mīlestības pazīmes ir madrigāli. Spārnotais Cupid ar bultām, kas kontrolē dažas vīnogas, skaidri izsaka saikni starp mūziku un mīlestību. Vīns, tāpat kā mūzika, padara garu spīd. Šis attēls piederēja kardinālam Francesco Maria del Monte, kurš savā pilī rīkoja koncertus un aicināja mūziķus dzīvot savā mājā ar tādiem māksliniekiem kā Caravaggio.
2. Mitoloģiskā glezna: "Bacchus" (1592-93)
Šis attēls lieliski atspoguļo arī Caravaggio novatorisko stilu, viņa netradicionālo pieeju zemesgabalu interpretācijai: viņa Bacchus nekādā veidā neatšķiras no nepieejamas patos dievības. Gluži pretēji, viņš izskatās pēc iespējas tuvāk reālam jaunietim: pamperēts un daļēji vulgārs jaunietis, kas ir puscietīgs izskatu, kurš vērsās pret skatītāju un pagriezis tīru vīnu ar maigi izliektiem pirkstiem, "dekorēts" ar biezu netīrumu slāni zem nagiem. Rūpīgi rakstītas detaļas parāda visu attēla dabiskumu. Augļi un karafe attēlā piesaista gandrīz lielāku uzmanību nekā pats Bacchus. Starp cidoniju, vīnogu, granātābolu, ābolu ar āboliem pēdām. Augļi, no kuriem lielākā daļa ir attēloti sabojātā, neēdamā stāvoklī, kritiķi uzskata, personificē pasaulīgās iedomības trauslumu.
Viņa intensīvā izteiksme liecina, ka viņš vienlaikus klausās skaņu un izvēlas skatītāju, viņa auditoriju. Tabulā skaidri aprakstītie paklāji un klusās dabas objekti atgādina līdzīgus Caravaggio plašus prezentācijas. Klusā daba, tāpat kā īslaicīga mūzika, mums atgādina dzīves priekus, bet arī prieks ir īslaicīgs. Mākslinieks arī atsaucas uz piecām sajūtām: dzirdi, garšu, smaržu, skatienu un pieskārienu. Viens no Caravaggio biogrāfiem rakstīja, ka „viņš arī gleznoja zēnu, ko ķēruši ķirzaka no ziediem un augļiem; jūs gandrīz dzirdējāt zēnu, un tas tika darīts rūpīgi. "
Autors, šķiet, saka, ka tas vispār nav Bacchus, bet gan pilnīgi parasts cilvēks, kurš ienāca senā Dieva atribūtus un paskatījās uz skatītāju ar rupju un vienlaicīgi uzmanīgu skatienu no viņa pus-tukšajām skropstām. Tomēr attēla jutekliskais šarms ir tik liels, ka skatītājs nejūt ironijas pilienu vai negatīvu.
Attēlā tika piedāvātas dažādas interpretācijas. Kā pieskāriena alegorija tas nodrošina pamatu, lai izpētītu, kā emocijas tiek izteiktas fiziski, un, iespējams, Karavaggio atsaucas uz visām piecām maņām. Ar augļiem un rozēm, parastajām mīlestības emblēmām, viņš atsaucas uz veciem veciem vārdiem - sāpes var sekot priekam, un mīlestība ir roze ar ērkšķiem, kas saīsina.
Kartes un zīlnieki. Jaunais Caravaggio iepazīstināja ar jaunu jauna veida glezniecību romiešu mākslas pasaulē ar ainas no dzīvības jūras puses, krāpšanu un trikiem. Viņš rakstīja šos darbus lielā mērogā ar pusgriezuma figūrām, un tie bija viens no viņa visplašāk imitētajiem darbiem. Viņa sekotāji spēlēja neskaitāmas variācijas par tām pašām tēmām, cenšoties atšķirt smalkumu un joks ar humoru un mīmiku. Šīs ļoti animācijas kompozīcijas rada viltīgo karšu pazemes pasauli, laimes karavīrus, muļķīgus maldus, jutekliskas un maldinošas čigānu sievietes, kabatzagļus un slepkavas.
Šis audekls lieliski attēlo mākslinieka paraksta iezīmi - parādot svinīgi - spēlei līdzīgu sākumu, un pat erotiskus virsrakstus senos zemes gabalos.
Glezna tiek glabāta Uffizi galerijā Florencē.
3. Portreti: "Lyutnist" (1595)
Šis attēls ir vizuāli labi pazīstams arī tiem, kuri nav pazīstami ar mākslinieka darbu. „Jaunais cilvēks ar lauru” (otrais attēla nosaukums) ir mākslinieka agrākais darbs, bet jau ir atklātas visas kapteiņa mākslas valodas iezīmes, viņa vēlme nodot apkārtējās pasaules būtiskumu.
Šādos darbos Caravaggio un viņa sekotāji izstrādāja radošus veidus, kā mūs iesaistīt darbībā. Šos smieklīgos moralizējošos attēlus mēs lasām, izmantojot žestus un izteiksmes, bet ir vajadzīgs laiks, lai atrisinātu maldināšanu. Neskatoties uz to, ka viņš iesaldēja statisku attēlu, stāsts, šķiet, atklājas mūsu acu priekšā, kā viens no populārākajiem lugiem, kas bija viņa iedvesma.
Mākslinieks paplašina maldināšanas tēmu, gleznojot savus priekšmetus ar tik augstu naturalisma līmeni, ka skatītājs tiek maldināts un pārsteigts par viņa prasmi. Krāpnieks, kas tiek aizvests viņu kartēs, neapzinās, ka vecākā kārts paraksta signālus savam līdzdalībniekam, kurš sasniedz slēpto karti no viņa biksēm. Cimdi ar rokām ir krāpnieciski, lai labāk izjustu atzīmētās kartes. Saskaņā ar agrīnu biogrāfu, kardināls Francesco Maria del Monte, lielisks mākslinieku patrons, drīz pēc šīs glezniecības iegādes pārņēma savu Caravaggio.
Gleznā attēlots mūziķis, kurš spēlē lutiju. Viņa figūra, tērpta baltā kreklā, skaidri izceļas pret sienas tumšo fonu. Mūziķa iedvesmota seja, ar saputotām acīm, ar pusi atvērtām lūpām un mitru mirdzumu, ienes ikdienas skatuves poētisku noskaņojumu un veselīgu jutekliskuma pieskārienu. Apgaismojuma sekas vēl vairāk akcentē mūzikas veidošanas svētku un lirisko atmosfēru.
Savā pilī viņš karājās pie „čigānu zīlnieces”. Kopā viņi noteikti atgādināja kardinālam un viņa viesiem par pazudušā dēla stāstu, brīdinot par alkatības un krāpšanas ciešanām. Caravaggio šo jautājumu neuzskatīja par vice karikatūru, bet gan jaunā veidā, kā žestu un skatienu mijiedarbība izraisa maldināšanu un zaudē nevainību cilvēcīgākajos apstākļos.
Viņš strukturē attēlu, lai ļautu mums liecināt visu, iesaistot mūs maldināšanā. Caravaggio pamatoja savus svēto ikdienas realitātē, norādot savu garīgo stāvokli dabas parādībasīpaši viegla. Svētā Francisa priekšā viņš parāda svēta ekstazi - viņa mistisko identitāti ar Kristu - ar spēcīgu gaismu uz viņa figūru un mierīgo eņģeli. Dieva žēlastību gaismu raksturo citi svēto attēli, piemēram, Marijas Magdalēnas pārejas aina no viņas agrākās grēka dzīves.
Vijole ar priekšgalu, kas atrodas pie mūziķa, it kā aicina skatītāju pievienoties izpildītājam un spēlēt duetu. Pa kreisi, uz galda ir augļi un dārzeņi, nedaudz tālāk dziļumā, var redzēt vāzi ar ziediem. Asas sānu apgaismojums, pašas un krītošas ēnas dod priekšmetiem gandrīz taustāmu lielumu un svarīgumu. Turklāt klusās dabas objektiem piemīt arī individuālās īpašības: plankumainas piezīmes, krekinga lute un sagrautas bumbieri.
Svētajā Mateja un Jeroma gleznās savos pētījumos daudzas Caravaggio emulācijas, gaisma ir dievišķās iedvesmas metafora. Kā likums, svētie, šķiet, nāk no tumsas gaismā, kas pievieno drāmu, simboliku un masas izjūtu, it kā tie būtu veidoti, ne tikai krāsoti. Atšķirībā no romiešu un florenciešu tradīcijām, Caravaggio atteicās no savas kompozīcijas rafinēšanas saskaņā ar zīmējumiem, pirms viņš sāka zīmēt, un tā vietā strādāja tieši no dzīvojamā modeļa studijā, saglabājot šī modeļa īpašo izskatu, nekad nesniedzot īpašībai vai ķermenim skaistuma ideālu.
Interesanti, ka debates par Caravaggio gleznu varoņa dzimumu nav beigušās kopš 17. gadsimta. Tomēr pats autors teica, ka šim (un citiem) attēliem viņa mīļākie Mario Minniti, ar kuru viņš dzīvoja savā jaunībā Romā. Šī cikla darbos mīlestības sajūta simboliski tiek pārraidīta caur augļu attēliem (it kā aicinot skatītāju izbaudīt to garšu) un mūzikas instrumentus (mūziku kā īslaicīgas jutekliskās baudas simbolu)
Efekts, kas ir galvenais Caravaggio un daudzu viņa sekotāju mākslā, bija pārsteidzošs. Šajā laikā daudzi cilvēki uzskatīja, ka svēto rakstzīmju glezniecība, piemēram, svētie, aicināja izveidot īpašu, cildinošu stilu, kas tos nošķīra no pasaulīgās realitātes šeit un tagad. Caravaggio radikālā novirze no šī principa izraisīja asu kritiku. Viņš tika apsūdzēts par vienkārši kopēšanu un tādējādi nevarēja uzņemt augstāko patiesību. Bet citi savā darbā atzina jauna veida reliģisko mākslu, kas tieši palīdzēja ticīgajiem un nodeva vecās tēmas jaunām un dzīvām.
Patīkams ir fakts, ka glezna tiek glabāta Sanktpēterburgā, Ermitažā.
4. Pašportrets: „Sick Bacchus” (1573-1610)
Neskatoties uz atkārtotu mitoloģiskās tēmas pievilcību, šis Caravaggio radošās jaunrades meistardarbs pieder mākslinieka pašportretiem. Attēls, kas rakstīts pēc viņa uzturēšanās slimnīcā, parādīja pirmās drāmas pazīmes, kas iezīmēja maģistra nobriedušu glezniecību. Pēc ilga laika pavadīšanas starp dzīvi un nāvi viņš bieži vien griezās pie šīs valsts savā audeklā.
Nosaukums radās vēlāk, kad jaunā cilvēka, kurš atgūstas no slimības, kas attēlots uz audekla, personā, atzina vīna darīšanas Bacchus dievu. Attēls tika gleznots šajā periodā caravaggio dzīve Romā Nespējot samaksāt modeli, mākslinieks ieskicēja attēlam savu spoguļattēlu. Tas ļāva pēcnācējiem radīt priekšstatu par savu izskatu.
Karavaggio jaunības trūkuma tēma ir ļoti prasmīga: ļoti krāsojot ar aukstiem, zaļgani ziliem toņiem, chill stāvoklis ir gandrīz fiziski jūtams, kas aptver jauno vīrieti. Grieķu vīns un jautrības dievs sēž tajā pašā apģērbā, kurā gleznotājs pāris gadus vēlāk attēlos viņu par to, par ko mēs iepriekš teicām, ka tagad atrodas Uffizi galerijā: balta kapuce, ko nozvejo tumšs josta ar priekšgalu. Bet, ja Bacchus uz Uffizi audekla ir attēlots kā veselīgs, ziedošs un aicinoši spēlē savu vērtnes galu, tad tas ir vājš un nedomā par teasing vai ikviena uzmundrināšanu. Uz galvas ir puse izbalējis vainags, kas nav no vīnogulāju lapām, kā tas būtu. Un kopumā tas nav Bacchus, bet gan mirstīgais, kurš ar viņiem ir tērpies, it kā mākslinieks runā, sūtot mūs no debesīm uz zemi.
Tagad darbs ir Borghese galerijas kolekcijā Romā.
5. Mājsaimniecības apgleznošana: "Haizivis" (aptuveni 1596 g.)
Kā jau minēts, Caravaggio - viens no žanra glezniecības dibinātājiem. Kāršu spēle viņa darbā bieži vien ir atkārtota tēma (viņš pats bija dedzīgs spēlētājs, un vienā no spēlēm radās skūpsts, kas izraisīja slepkavību, pēc kuras mākslinieks bija jābēg).
Aiz neapstrādāta koka galda kāršu spēle, viens no vintage pokera šķirnēm. Kreisajā pusē jaunais un acīmredzot nepieredzējis spēlētājs rūpīgi izskata viņa kartes. Pusmūža vīrietis, viens no Mīklas, meklē pār plecu. Ar šiem pirkstiem labās puses viņš saviem partneriem dod slepenu zīmi, kas atrodas pretī un slēpjas aiz pieciem tārpiem. Kreisajā pusē priekšplānā kārbā ir kolonna, kas izgatavota no monētām, kas ir netīra pāris.
Attēls ir pilns ar iekšējo dinamiku, spēlētāju rakstzīmes ir rūpīgi rakstītas un rada iespaidu par viņu personību.
1627. gadā pēc kardināla del Monte īpašnieka nāves viņa īpašumā tika uzskaitīts attēls “Asinātāji”, bet pēc tam tas zaudēja. Gleznas atrašanās vieta daudzus gadus nebija zināma, tā tika atklāta Eiropas privātkolekcijā tikai 1987. gadā. Pašlaik audekls atrodas Kimbellas muzejā.
6. Klusā daba: „Augļu grozs” (apm. 1596)
Attēls ir orientieris, jo pirms Caravaggio, faktiski, nepastāvēja „tīrā veidā” Eiropas glezniecībā. Pēc Caravaggio šis žanrs ir kļuvis ļoti populārs. Lai kompensētu „zemes gabala nabadzību”, Caravaggio dodas uz iluzionistu ierīci, kas palīdz padarīt attēlā attēloto priekšmetu monumentālāku. Grozs atrodas skatītāja acu līmenī, un galda malas atdala attēla telpu no ārējās telpas. Tomēr, attēlojot grozu, kas stāv uz galda, tikai daļa no tās dibināšanas, mākslinieks radīja iespaidu, ka grozs, kas daļēji ir “nolaists” no audekla, iebruka skatītāja telpā. Un augļu tēlā mākslinieks ir sasniedzis gandrīz reālu apjomu.
Glezna tiek glabāta Milānas Pinacoteca Ambrosian.
Interesanti fakti
Caravaggio centieni reālistiskai reizēm bija ļoti tālu. Šāds ārkārtējs gadījums ir stāsts par audekla izveidošanu Lācara augšāmcelšanās laikā. Atsaucoties uz aculiecinieku grāmatām, rakstnieks Susanno stāsta, kā mākslinieks lika nesen nogalinātā jaunā cilvēka ķermenim, kas izrakts no kapa un atņēma viņa ķermeni, lai viņš būtu drošāks, rakstot Lazaru. Divi nomātie sitters noteikti atteicās radīt, turot rokās līķi, kas jau bija sācis sadalīties. Pēc tam, dusmīgs, Caravaggio nokāpa dunci un piespieda viņus paklausīt viņa gribai.
Luteists, Michelangelo Merisi da Caravaggio
"Luthnists" - Caravaggio drauga, Milānas mūziķa Gallusa portrets, kuru viņš satikās laikā, kad viņš bija klīst.
Jauns vīrietis ar augļu grozu, Michelangelo Caravaggio
Mākslinieks, kas ietekmēja visu Eiropas glezniecību, sākās ar gaišām krāsām un lirisku noskaņu. Jauniešiem gadu karavaggio Viņš dzīvoja kopā ar bagātu mākslas mecenātu, pāvesta prelātu Monsinjoru Pandolfo Pucci un vēlāk ar gleznotāju Cavalier d'Arpino un rakstīja neskaidras, skaistus jaunus vīriešus, spēlējot mūziku, turot puķes vai augļus savās rokās un skatoties uz skatītāju no zem pusi slēgtiem plakstiņiem. rakstzīmes, kas attēlotas šajā audeklā.
Attēlā ir jutekliskums, kas iezīmē līdzīgu agrīnās perioda meistara audekli: skaists ielas zēns nāca skaistā pozā, nedaudz pagriežot galvu, nolaižot kreklu no viena pleca un viegli piespiežot savu grozu sev. Bet, ja cilvēka tēls joprojām ir idealizēts, tad Caravaggio-realist, kurš drīz paziņoja par sevi, talants parādījās šeit piedāvātajā klusajā dzīvē. Mākslinieks prasmīgi rakstīja ne tikai samtainu persiku un spīdīgo ābolu ādu, bet arī tumšos plankumus uz augļiem un žāvētām lapām.
Glezniecības mūziķi, Michelangelo Merisi da Caravaggio
Šā darba rakstīšanas laikā Michelangelo da Caravaggio joprojām bija jauns, un, neskatoties uz savu drosmīgo noskaņu, viņa patrona mājā, kardināls Fran-cesco Del Monte, radīja diezgan klusu dzīvi. Dramatisko notikumu laiks mākslinieka liktenī un viņa aizraušanās, gleznu gaismas un tumsas cīņa, kurai būs liela ietekme uz visu Eiropas glezniecību, vēl nav pienācis. Viņa bildes joprojām ir vieglas un liriskas. Viņi bieži spēlē mūziku, tāpat kā prezentētajā darbā, kurā plaukstošā jaunība un augstākā māksla apvienojas harmonijā.
Mūziķis, sēžot uz audekla ar muguru skatītājam, atvēra rezultātu. Uz tā ir redzams uzraksts, kas precīzāk izskaidro, kas notiek. Tas ir bieža uzņemšana Caravaggio darbos, bet neviens vēl nav spējis to izlasīt. Zēns ar ragu fonā ir agrākais no mākslinieka pašportretiem, kas bieži attēlos sevi gleznās, un tas ir pēdējais Caravaggio pašportrets, kurā mēs viņu redzam mierīgi.
"Mūziķos" jūs joprojām varat dzirdēt renesanses elpu. Bet darba blīvajā un sarežģītajā sastāvā ir jūtama spriedze un nelieli nervu trīce, kas atšķirt baroka mākslu.
Glezniecība Bacchus, Michelangelo Caravaggio
Karavaggio (1571-1610), stāvot baroka sākumā, gleznoja šo attēlu vēl samērā mierīgā dzīves posmā. Līdz ar to tēmas izvēle - Bacchus, grieķu vīns un jautri, kura tēvs jaunajam cilvēkam parādīja rupju izskatu, maigu žestu stiept vīna glāzi skatītājam.
Viņa spēcīgais, muskuļojošais ķermenis ir pilns ar veselību, viņa vaigās skan smalks sarkans, viņa lūpas ir pilnas un briest, un audekla krāsa atstāj svinības sajūtu. Bet augļi vāzē pirms Bacchus nav tik svaigi: ābols ir sapuvis, tur ir tārps. Un vīnogu lapas varoņa vainagā jau izbalē.
Caravaggio nebaidījās attēlot dzīvi, kā tas ir, viņš akūti juta savu slēpto drāmu, kas atspoguļojās viņa nākotnes mākslā, kas ietekmēja visu Eiropas glezniecību. Vēlreiz mākslinieks atgriezās jautrajā senajā dievas tēmā, bet savā tēlā rakstīja, ka viņš ir fiziski un garīgi izsmelts slimības dēļ („Sick Bacchus” audekls, kas glabājas Borghese galerijā Romā).
Svētais Jāņa Kristītājs, Mišelangelo Karavaggio
Iespējams, šis Caravaggio darbs bija viens no trim gleznām, ko viņš bija pieņēmis, braucot no Maltas uz Romu, cerot saņemt žēlastību no pāvesta Pāvila V. Mākslinieks paredzēja dāvināt šos audekļus savam brāļadēlam, kardinālam Shipione Borghesei, lai lūgtu par vainīgo pirms pāvesta. Gleznotājs nekad neatgriezās mūžīgajā pilsētā, nomira ceļā, bet atlikušais audekls liecina par prāta stāvokli, kurā viņš bija pēdējos gados dzīves.
Svētā Jānis Kristītājs, kurš kopš renesanses bieži ir bijis attēlots nevis kā nobriedis cilvēks, bet kā jauns cilvēks, sēž pazudis. Viņa izskats ir piepildīts ar skumjām, un ne siltā gaisma, kas iedzīst skaitli, ne sarkanais drapējums izjauc šo sajūtu. Caravaggio sāka ar spilgtiem un laimīgiem noskaņojumiem, tad viņš rakstīja darbus, kas bija pilni ar kaislībām un asu drāmu, un beidzot nāca uz gleznu, kas piepildīta ar traģisku būtību, ko viņš radīja īsa mūža beigās. Mākslinieka darbs atspoguļo viņa paša dzīves ceļu.
Īzāka, Mišelangelo Karavaggio, upuris
Drama, kas Caravaggio darbībā ir palielinājusies pilnā mērā, izpaužas prezentētajā darbā, jo vairāk šis stāsts to veicināja. Glezna tika uzrakstīta kardinālam Maffeo Barberini, kura patronāžu izmantoja mākslinieks. Viņš attēloja brīdi, kad Bībeles vecākais Ābrahāms gatavojas upurēt savu dēlu Īzāku, lai noskaidrotu viņa ticības dziļumu, Dievu.
Īsākā laika posmā Caravaggio spēja uzņemt vairākas smagas darbības, ko veikuši rakstzīmes: tēvs, kurš ar savu roku turēja saistīto dēlu, pacēla nazi pār viņu, dēls kliedza par bailēm, bet Dieva sūtītais eņģelis apstājas ar Ābrahāmu un norāda uz upuri.
Attēls ir tik piepildīts ar emocijām, ka pat eņģelis izskatās satraukts, un jērs ar nemierīgu izskatu velk galvu, it kā viņš ubagotu, lai viņu ievietotu Isaac vietā. Horizontāli izvērstā kompozīcija laicīgi stiepjas visu rakstzīmju darbību, liekot viņiem un skatītājam piedzīvot šeit izteikto drāmu. Nav brīnums, ka baroka, senču un viena no spilgtākajiem pārstāvjiem Caravaggio glezna, tā bija dabiska kaislība.
Taču mākslinieks ne tikai atainoja cilvēka pieredzi konkrētā brīdī - viņš aizgāja tālāk, padziļinot tos psiholoģiski. Tādējādi, Ābrahama sejā, ir atspoguļota nopietna ticība un tēva mīlestība, kas cīnās viņu iekšienē. Ainava, kas ieplūst krēslā fonā, pastiprina drāmu, bet pilsēta kalnā un gaišā debess izceļ laimīgo galu, kas drīzumā būs.
Vakariņas Emmausā, Michelangelo Caravaggio, 1601
Neilgi pēc tam, kad Kristus bija krustā sists un augšāmcēlies, Kleops un viņa citi bezvārīgie mācekļi devās uz Māmu, ciematu netālu no Jeruzalemes. Ceļā, Jēzus tikās ar viņiem, Viņš tiem pievienojās, bet ceļotāji Viņu neatzina. Tad viņš palika kopā ar viņiem mājās, kā tas bija jau vēlu, un pēc tam, kad degustēja pārtiku ar viņiem, mācekļi atzina Jēzu, bet viņš viņiem kļuva neredzams.
Jaunā zemes gabala interpretācija padara šo Caravaggio attēlu par unikālu parādību. Kristus parādās attēlā kā bēdīgs, mācekļu uztraukums, kas saprot, ka Skolotājs ir priekšā, ir izteikts ar izteiksmīgiem žestiem un sejas izteiksmēm. Turklāt Caravaggio koncentrējas uz klusās dabas, kam ir simboliska nozīme. Ir bijuši daudzi mēģinājumi to atklāt. Vistas uz plāksnes tiek interpretētas kā nāves simbols, arī melnās vīnogas, un baltā ir augšāmcelšanās personifikācija. Vēl viens augšāmcelšanās simbols ir granāta. Āboli vērtības sistēmā ir „nolasīti” divos veidos: gan kā žēlastības augļi, gan kā norāde sākotnējais grēksizpērk Kristus asinis. Jāatzīmē, ka patiesībā pavasarī, kad notiek zemes gabals, šādi augļi nevar būt uz galda. Tas pierāda tikai to simbolisko nozīmi.
Glezna "Vakariņas Emmausā" tika uzrakstīta romiešu aristokrāta un baņķiera Chiriaco Mattei. Par savu darbu 1602. gada 7. janvārī Caravaggio saņēma 150 kronas. Vēlāk darbu ieguva kardināls Scipio Borghese.
Marijas nāve, Mihelangelo Merisi de Caravaggio
Šajā attēlā, kas rakstīts Santa Maria della Scala Romas baznīcas altārim Trastaverā, mākslinieks-reformators Caravaggio sniedz interpretāciju par tradicionālo Dievmātes uzņemšanas zemes gabalu. Tradicionāli izbraukšana no Jaunavas Marijas dzīvības netika uzskatīta par traģēdiju, jo Jaunava Marija, kas dzīvoja vecumā, pēc nāves pacēlās debesīs un atkal apvienojās ar savu mīļoto Dēlu.
Caravaggio šajā stāstā tieši redzēja traģēdiju, kas apustuļus sāka dziļā bēdās. Izbrauktās Jaunavas tēls runā pārāk daiļrunīgi par ciešanām un nāvējošo agoniju. Viņas ķermenis ir rakstīts ar reālisma pakāpi, uz kuru klienti nebija gatavi, turklāt mākslinieka tuvā iepazīšanās - meitene ar vieglu tikumu - kalpoja kā paraugs Visaugstākajai Virgin. Tas bija iemesls klienta atteikumam no gatavā attēla.
Apustuļa Mateja moceklis, Michelangelo Caravaggio
Šis lielais dramatiskais audekls tika uzrakstīts 1599. – 1600. Contrarelli kapelai San Luigi dei Francesi baznīcā Romā. Svētajam bezgalīgi piekaramās rokas un neparasti apgaismotie priekšplānā redzamie skaitļi tieši vērš skatītāju uz vardarbības vietu. Divu centrālo figūru apgaismojums pasvītro teātra muskuļu ķermeņa un vecā cilvēka, kas bezpalīdzīgi uz zemes uzlika priestera drēbēs, spēcīgo kontrastu. Mateja ķermenis ar rokām šķīra virzienā, it kā veidotu krustu pie izpildītāja kājām. Neredzams izpildītājs, eņģelis, stiepjas palmu zariņš, kas ir mocekļu simbols, kuru viņš mēģina sagrābt.
ST. Mateja. Apustuļa Mateja vai Levi atribūts ir eņģelis ar spārniem. Matejs bija nodokļu administrators Romas varas iestādēm. Bet kādu dienu Kristus vērsās pie Viņa un sacīja viņam: Seko man! Un viņš piecēlās un sekoja Viņam. Nav apstiprinātu pierādījumu par viņa turpmāko dzīvi, bet leģenda 2 stāsta, ka viņš sludināja Etiopijā, kur karalis sāka lūgt vienkāršu kristiešu meiteni. Mateja viņu nosodīja par iejaukšanos Kristus līgavai, un tā rezultātā mira mira mira. Glezniecības meistari parasti raksta Mateju, rakstot savu Evaņģēliju, parasti eņģeļa vadībā. Ar viņu var būt monētas vai maku - viņa bijušā kuģa atribūti; Florencē Mateja tika uzskatīta par naudas mainītāju un baņķieru patronu.
Dāvids ar Golijas galvu Karavagžo
Spēcīgs, neierobežots temperaments, kas izpaužas Caravaggio darbos, dzīvē bieži to traucēja. "... Campo Marzio laukumā," kriminālprocesā par krimināllietām, kas tika ziņots 1606. Gadā ", bija nopietna strīds starp četriem vīriešiem katrā pusē. Viena līderis bija Ranuccio da Terni, kurš nomira pēc ilgas cīņas; otru pusi vadīja šodien pazīstams gleznotājs Michelangelo da Caravaggio, kurš, kā teikts, ir ievainots, bet viņa atrašanās vieta nav zināma. (...) Šis starpgadījums izraisīja strīdu vairāk nekā 10 bailēs, ko mirušais pārspēja gleznotāju. ” Caravaggio tika notiesāts uz nāvi, un viņš aizbēga uz Neapoli un pēc tam uz Maltu. Tur, viņa dzīves beigās, viņš gleznoja attēlu, kas attēlo ganu Dāvidu ar milzīgā Golijas galvu, kuru viņš uzvarēja.
No bieza tumsas parādās jauns vīrietis, turot atdalītu galvu rokā. Tiek uzskatīts, ka milzu seja ir mākslinieka pašportrets. Līdzīga metode - lai radītu savu tēlu dramatiskā kontekstā - tika izmantota gleznotāja vārdnīcā Michelangelo Buonarroti, veidojot svētajā kapelā sienu “Pēdējais spriedums”: uz ādas, ko viņš tur rokā, mākslinieka galva ir uzdrukāta.
Caravaggio pastiprināja rūgto skumjas sajūtu, kas izriet no viņa tēla, ka viņš neparasti izlēma par Dāvida tēlu: uzvarētājs pats izskatās uzvarēts, skatoties uz rokām ar ciešanām.
Attēls - Sick Bacchus, Michelangelo Caravaggio
Pirmās drāmas pazīmes, kas iezīmēja Caravaggio nobriedušu gleznu, kas izpaužas šajā attēlā, rakstīts pēc viņa uzturēšanās slimnīcā. Pēc ilga laika pavadīšanas starp dzīvi un nāvi viņš bieži vien griezās pie šīs valsts savā audeklā.
Bet, lai gan jaunās Caravaggio trausluma tēma bija ar humoru: pats, kas vēl nav atguvies no nopietnas slimības, kā redzams uz bāla āda, zaļgana seja, vīnogulāju roku vājums, viņš prezentēja Bacchus formā. Grieķu vīns un jautrības dievs sēž tajā pašā apģērbā, kurā gleznotājs attēlos viņu pāris gadus vēlāk attēlā tagad Uffizi galerijā. Bet, ja Bacchus uz Uffizi audekla ir attēlots kā veselīgs, ziedošs un aicinoši spēlē savu vērtnes galu, tad tas ir vājš un nedomā par teasing vai ikviena uzmundrināšanu. Uz galvas ir puse izbalējis vainags, kas nav no vīnogulāju lapām, kā tas būtu. Un tas nav Bacchus vispār, bet mirstīgais, kurš tos ir izģērbis.
Dzīve, kā tas ir, ar ciešanām, cilvēka vājumu un viņa centieniem saglabāt sevi - tas ir temats, kas galu galā kļuva par vadošo mākslinieku Caravaggio. Reālā drāma izvērsās pēc viņa audekla. Pa to laiku viņš jokoja cilvēka dabu un mēģināja nedaudz pacelties.
Madonna Palafregnieri (Madonna ar čūsku), Michelangelo Caravaggio
sek. Michelangelo Caravaggio
Izstādīts muzejā: Borghese Gallery (Roma)
Gads: 1605-1606
Dieva Mātes attēls ar Kristu un Sv. Annu Karavagiju, kuru pasūtīja Pāvesta jātnieki (no itāļu „palafrenieri” - „grooms”) par Sv. Annas baznīcas galveno altāru pie Sv. Pētera katedrāles Romā. Otrs attēla nosaukums bija saistīts ar to, ka šeit ir attēlota čūska - ļaunuma simbols, ko Marija un Kristus apgrūtina.
Katedrāles kapteiņa darbs, kura māksla pārsniedza kanonus, bija tikai dažas dienas. Ar Caravaggio vairāk nekā vienu reizi notika, ka garīdznieku neapmierinātības dēļ viņa darbi atstāja tempļu sienas un apmetās privātās kolekcijās. Šajā gadījumā attēls bija Shipione Borghese kolekcijā. Iemesls, kāpēc viņa tika noņemta no baznīcas, visticamāk bija šāds: mākslinieks attēloja Anna, Mariju un Kristu ar tik drosmīgu un reālu pieeju attēlu veidošanai, it kā rakstot vienu no saviem kopējiem un nabadzīgajiem laikabiedriem.
"Viņš uzskata, ka ... nekas nevar būt labāks par dabas sekošanu," rakstīja viņa mūsdienu, holandiešu mākslinieks un mākslas vēsturnieks Karels van Manders par Caravaggio no nobriedušā perioda. "No tā ir skaidrs, ka viņš nespēj veikt vienu suku gājienu, nemācot dzīvi, ko viņš kopē un raksta." Bet tieši dzīvības patiesības priekšroka, vēlme tuvināt dievišķo cilvēku, un tas bija Caravaggio jauninājums, kas izjauca Eiropas mākslinieku mākslu.
Tomēr Caravaggio lieliski zināja, kā „virzīt” skatuves, ko viņš uzskatīja par īstu baroka mākslinieku, no kura viņš bija viens no dibinātājiem. Un viņa „tenebrozo” stils (tulkots no itāļu valodas kā “tumšs, tumšs”), kad gaismas staru pārgriež tumsā un izgaismo rakstzīmes, pastiprina attēla teatralizācijas brīdi.
Glezniecība Saint Jerome, Michelangelo Caravaggio
Šajā attēlā, ko Caravaggio rakstījis tieši Šipionam Borghesei, mākslinieks attēloja Saint Jerome par viņa zinātniskajiem darbiem.
Gaisma, kas izlej cauri neredzamam logam, no drūma ieskrūvē sarkanu svēta drēbju, galvu ar stāvu, ievērojamu domātāja pieres, grāmatas, galvaskausu, kas atrodas uz galda. "Caravaggio ... ieguva arvien lielāku popularitāti katru dienu," rakstīja biogrāfs Giovanni Pietro Bellory par viņu, "galvenokārt viņa krāsu dēļ," vairs nav mīksts un viegls, kā iepriekš, bet piesātināts, ar spēcīgām ēnām, un viņš bieži izmantoja daudzus melns, lai dotu atvieglojumus formām. Un pirms tam viņš kļuva ieinteresēts tādā veidā, ka viņš nav izvilkuši nevienu no viņa figūrām saulē, bet ievietojis tos slēgtā telpā ... izmantojot gaismas staru, kas vertikāli nokrita uz galvenajām figūras daļām, atstājot visu pārējo ēnā, lai gaisma un ēna dotu asu efektu. Tad romiešu gleznotāji bija priecīgi par šo jauninājumu, īpaši jauniešiem ... "
Svētais Jerome, viens no baznīcas tēviem, Bībeles tulkotājs latīņu valodā, iegremdēja dievišķās grāmatas lasījumā, uz pieres - galējās koncentrācijas zīmoga, pildspalvu rokā. Tajā pašā laikā mākslinieka veidotais tēls atgādina arī gleznas varoņa dzīvi tuksnesī, kur viņš lūdza un nožēloja grēkus, kā to apliecina vientuļnieks. Galvaskauss, kas ir viens no Jerome atribūtiem, ilustrē latīņu vārdus „memento mori” - „atceries nāvi”, bet arī simbolizē cilvēka gara uzvaru pār mirstīgo miesu. Starp šo simbolu un svēto ir atklātā Bībele kā ceļš, kas ir jānodod no vienkāršas mirstīgās dzīves līdz gara augstumiem. Horizontāli izstieptā kompozīcija, ko tik ļoti mīl mākslinieks, norāda uz šo tālsatiksmi, bet roku ar spalvu to sagriež.
