Popis Caravaggio Bacchus. Alekskndr Makhov. David s hlavou Goliáša, Caravaggio

Nazývá se reformátorem evropského vizuálního umění století XVII., Který do stylu, který předtím vládl, přinesl spoustu nových věcí. Kdyby v té době dominovaly obrazy na náboženských plachtech, byly idealizovány, pak s příchodem Caravaggia bylo v jejich zobrazení použito maximálního naturalismu. Byl jedním z prvních, kdo použil nový způsob psaní "kyaroskuro" - ostrý odpor světla a stínu. Realizmus psaných obrazů dával starým bohům, křesťanským světcům a mučedníkům blíže světu živých lidí, jasně číst individualitu a charakter, což snížilo jejich patos, učinilo umění „demokratickým“. Všechny detaily, i ty menší, byly kresleny velmi pečlivě, což vytvořilo efekt reality, „hmatatelnosti“. Caravaggio významně přispěl k vývoji nových směrů pro umění té doby - žánru domácnosti a zátiší, dříve označované jako "nízké" žánry.

Je pozoruhodné, že umělec při vytváření složitých skladeb nepoužíval náčrtky a náčrty, okamžitě si uvědomil myšlenku na plátně.

Kromě jedinečného talentu byl umělec mimořádným člověkem s komplexním charakterem. Samotný příběh jeho života je obrazové plátno plné kontrastů: tvůrčí vzestupy a úspěchy jdou ruku v ruce s souboji, souboji a hlubinností a po zahájení rytíře následuje uvěznění, útěk z Říma kvůli vraždě, putování v různých městech Itálie a smrt ve věku 37 let. od malárie a smutku.

Začal svou tvůrčí cestu od bídy v Římě: náhodné výdělky a psaní obrázků uznávanými mistry, Caravaggio dosáhl prestižní pozice a dosáhl jednoznačného schválení jeho děl během svého života, s nimiž mnoho talentovaných mistrů nebylo vždy štěstí. Dostal mnoho příkazů.

Stojí za povšimnutí, že zákazníci ne vždy chápali umělcovu inovaci: některá díla byla považována za neslušnou kvůli přetrvávajícímu dodržování pravdy života a tělesného obrazu, což však nebránilo tomu, aby byla odmítnutá díla prodávána osvícené veřejnosti, která vysoce oceňovala talent malíře.

„Vecherka“ vzpomíná na 6 nejvýznamnějších maleb velkého umělce, vytvořených v různých žánrových směrech.

1. Náboženská malba: "Postavení hrobu" (1602-1604).

Jeden z nejmonumentálnějších děl umělce. Obraz byl určen pro oltář římského kostela Chiesa Nuova. Dlouho byla považována za nejvýznamnější mistrovské dílo umělce. V 1797, francouzština vzala ji do Paříže k Napoleon muzeu. V roce 1815 bylo plátno vráceno a od roku 1820 se nachází ve městě Pinakothek ve Vatikánu.

Podle biblických scén přišel Caravaggio do své zralejší práce. Umělec v nich našel drama moderního života. Úmyslně spíše rutinně interpretuje vysoké obrazy, vzdaluje se od vznešené krásy a hrdinství a snaží se zvýšit drsnou realitu na úroveň legend, mýtů. A naopak, snížit pompéznost náboženských hrdinů na drama lidového života a naříkat na Krista - na událost, které každý rozumí.

V tvářích, pózách a gestech postav není sebemenší náznak patosu a vznešených pocitů. Hrdinové Caravaggio se chovají přirozeně jako obyčejní, prostí lidé. V upřímném zármutku sklonili hlavy, jako by se ohýbali pod tíhou neštěstí, která na ně padla. Vzhledem k úhlu pohledu je prohlížeč zahrnut do obrázku. Kontrast jasného toku světla a temné části obrazu zdůrazňuje smutnou expresivitu celého plátna.

Zde jsou některé znaky ve složení. Kristovo tělo je podporováno mladým Janem Evangelistou, který před svou smrtí Ježíše svěřil péči své matce. Nohy Spasitele jsou drženy Josefem z Arimatie; tento člověk získal povolení k odstranění těla Kristova z kříže a pak ho dal do rakve, kterou si připravil pro sebe. Z žen vlevo, matka Ježíše, Panny Marie.

2. Mytologická malba: "Bacchus" (1592-93)

Tento obraz také dokonale odráží inovativní styl Caravaggia, jeho netradiční přístup k interpretaci pozemků: jeho Bacchus se v žádném případě nepodobá nepřístupnému božstvu patosu. Naopak vypadal co nejblíže k opravdovému mladému muži: hýčkanému a částečně vulgárnímu mladému muži, napůl opilému vzhledu, který otočil baculatou, zženštil obličej divákovi a vytáhl šálek vína s jemně zakřivenými prsty, „zdobenými“ hustou vrstvou špíny pod nehty. Pečlivě napsané detaily ukazují veškerý naturalismus obrazu. Ovoce a karafa na obrázku přitahují téměř více pozornosti než samotný Bacchus. Mezi plody kdoule, hroznů, granátových jablek, jablek se stopami housenek. Ovoce, z nichž většina je zastoupena v neposkvrněném, nepoživatelném stavu, kritici věří, ztělesňují křehkost světské marnosti.

Zdá se, že autor říká, že to není Bacchus vůbec, ale jakýsi zcela obyčejný člověk, který si oblékl atributy starodávného Boha a díval se na diváka malátným a zároveň bdělým pohledem zpod jeho poloprázdných řas. Smyslné kouzlo obrazu je však tak velké, že divák necítí ani kapku ironie či negativu.

Toto plátno dokonale zobrazuje rysy umělcova podpisu - zobrazování slavnostně - hra-jako začátek, a dokonce i erotické podtóny ve starodávných grafech.

Obraz je uložen v galerii Uffizi ve Florencii.

3. Portrét: "Lyutnist" (1595)

Tento obraz je vizuálně dokonale známý i těm, kteří nejsou obeznámeni s prací umělce. „Mladý muž s loutnou“ (druhé jméno obrázku) je raným dílem umělce, ale všechny rysy mistrovského uměleckého jazyka, jeho touha zprostředkovat materialitu světa kolem něj byla plně odhalena.

Obraz zobrazuje hudebníka hrajícího na loutnu. Jeho postava, oblečená v bílé košili, jasně vystupuje proti tmavému pozadí zdi. Inspirovaná tvář hudebníka s polootevřenými rty a mokrým třpytem v jeho zasněných očích přináší do každodenní scény poetickou náladu a zdravý nádech smyslnosti. Efekty osvětlení dále zdůrazňují slavnostní a lyrickou atmosféru tvorby hudby.

Housle s lukem leží před hudebníkem, jako by pozval diváka, aby se připojil k performerovi a zahrál si duet. Vlevo, na stole jsou ovoce a zelenina, o něco dále v hloubkách je viditelná váza s květinami. Ostré boční osvětlení, vlastní a padající stíny dávají objektům téměř hmatatelnou objemnost a hmotnost. Kromě toho, zátiší objekty také mají své individuální vlastnosti: potrhané poznámky, popraskané loutna, a otlučené hrušky.

Zajímavé je, že debata o sexu hrdiny Caravaggiových obrazů nepřestávala od 17. století. Sám autor však prohlásil, že pro toto (a další) fotografie představuje jeho oblíbený Mario Minniti, s nímž žil v mládí v Římě. V dílech tohoto cyklu je symbol lásky přenášen symbolicky skrze obrazy ovoce (jako by pozval diváka k tomu, aby si užíval jejich chuti) a hudebních nástrojů (hudba jako symbol prchavého smyslného potěšení)

Příjemný je fakt, že obraz je držen v Petrohradě, v Hermitage.

4. Autoportrét: „Sick Bacchus“ (1573-1610)

Navzdory opakované výzvě k mytologickému tématu patří toto mistrovské dílo raného období tvůrčí tvorby Caravaggia k autorovým autoportrétům. Obraz, napsaný po jeho pobytu v nemocnici, ukázal první známky dramatu, které znamenaly mistrovu zralou malbu. Poté, co strávil dlouhou dobu mezi životem a smrtí, se často na tento stav obrátil ve svých plátnech.

Jméno vzniklo později, když se v osobě mladého muže, který se zotavuje z nemoci, znázorněné na plátně, poznal bůh vinařství Bacchus. Obraz byl namalován v období caravaggiovi život   v Římě Umělec nebyl schopen zaplatit model a načrtl svůj zrcadlový obraz. To umožnilo potomkům vytvořit představu o jeho vzhledu.

Téma křehkosti být mladý Caravaggio bije velmi dovedně: ve velmi zbarvení se studenými, zeleno-modré tóny stav chladu je téměř fyzicky cítil, který zahrnuje mladého muže. Řecký bůh vína a legrace sedí ve stejném oblečení, ve kterém ho malíř o pár let později na snímku, o kterém jsme říkali výše, nachází v galerii Uffizi: bílý plášť ulovený tmavým pásem svázaným lukem. Pokud je však Bacchus na plátně Uffizi zobrazen jako zdravý, kvetoucí a pozvolně hraje konec svého křídla, pak je tento slabý a nemyslí na škádlení ani fandění nikoho. Na jeho hlavě je napůl vybledlý věnec, netkaný vůbec z vinných listů, jak by měl být. A obecně to není Bacchus, ale smrtelník, který se s nimi oblékal, jako by umělec hovoří a posílá nás z nebe na zem.

Nyní je práce ve sbírce Borghese Gallery v Římě.

5. Malování domácnosti: „Ostřejší“   (asi 1596 g.)

Jak již bylo zmíněno, Caravaggio - jeden ze zakladatelů žánrové malby. Karetní hra je poměrně často opakující se téma v jeho práci (on sám byl zanícený hráč, a v jedné z her následovala rvačka, která vyústila v vraždu, po kterém umělec musel uprchnout).

Za hrubým dřevěným stolem jde karetní hra, jedna z odrůd vintage pokeru. Na levé straně mladý a zřejmě nezkušený hráč pečlivě zkoumá své karty. Přes rameno se dívá muž středního věku, jeden z podvodníků. S těmito prsty pravou ruku   dává tajné znamení svému partnerovi, který sedí naproti a schovává se za pět nejlepších červů. Vlevo v popředí v krabici stojí sloup vyrobený z mincí, předmět touhy nečistého páru.

Obraz je plný vnitřní dynamiky, postavy hráčů jsou pečlivě psány a vytvářejí dojem jejich osobnosti.

V 1627, po smrti majitele plátna Cardinal del Monte, obraz “Sharpers” byl inventoried mezi jeho majetek, ale pak prohrál. Umístění obrazu bylo mnoho let neznámé, bylo náhodně objeveno v evropské soukromé sbírce až v roce 1987. V současné době je plátno v Muzeu Kimbell.

6. Zátiší: „Ovocný koš“   (ca. 1596)

Obraz je mezníkem, protože před Caravaggiem ve skutečnosti neexistovala zátiší „ve své nejčistší podobě“ v evropské malbě. Po Caravaggio, tento žánr stal se velmi populární. S cílem kompenzovat „chudobu spiknutí“ se Caravaggio uchyluje k iluzionistickému zařízení, které pomáhá učinit předmět zobrazený na obrázku monumentálnějším. Košík je na úrovni očí diváka a okraj stolu odděluje obrazový prostor od vnějšího prostoru. Znázorňující koš stojící na stole jen jako součást jeho základu však měl dojem, že koš, částečně „sestupující“ z plátna, vnikl do diváckého prostoru. A v obraze ovoce dosáhl umělec téměř hmatatelného objemu.

Obraz je veden v Pinacoteca Ambrosian v Miláně.

Zajímavosti

Caravaggiova oddanost realismu občas šla velmi daleko. Takový extrémní případ je příběh o vytvoření plátna Vzkříšení Lazara. S odkazem na výpovědi očitých svědků, spisovatelka Susanno vypráví, jak umělec nařídil tělu nedávno zabitého mladého muže vykopaného z hrobu a zbaveného těla, aby byl při psaní Lazar spolehlivější. Dva pronajaté sedačky tiše odmítli představovat, drželi v rukou mrtvolu, která se již začala rozkládat. Caravaggio pak rozzlobeně vytrhl dýku a donutil je poslouchat jeho vůli.

Luteista, Michelangelo Merisi da Caravaggio

"Luthnist" - portrét Caravaggiova přítele, milánského hudebníka Galluse, kterého potkal během putování.

Mladý muž s košíkem ovoce, \\ t Michelangelo Caravaggio

Umělec, který ovlivnil veškerou evropskou malbu, začínal malbami, které se vyznačovaly jasnou barvou a lyrickou náladou. V mládí let karavaggia   On žil s bohatým patronem umění, papežský prelát Monsignor Pandolfo Pucci, a pozdnější s malířem Cavalier d'Arpino, a psal malátný, krásný mladý muži, hrát hudbu, držet květiny nebo ovoce v jejich rukou a dívat se na diváka od dolů napůl-zavřel víčka. postavy na tomto plátně.

Na obrázku je smyslnost, která označuje podobná plátna mistra raného období: hezký pouliční kluk si vzal krásnou pózu, lehce naklonil hlavu, košili z jednoho ramene naklonil a jemně stiskl koš na sebe. Ale pokud je obraz člověka stále idealizovaný, pak se talent Caravaggio-realistu, který se brzy prohlásil, projevil v zátiší, které zde bylo prezentováno. Umělec šikovně napsal nejen sametovou kůži broskví a lesklých jablek, ale i tmavé skvrny na plodech a sušených listech.

Malířství, Michelangelo Merisi da Caravaggio

V době psaní této práce byl Michelangelo da Caravaggio ještě mladý a navzdory svému odvážnému temperamentu vedl poměrně klidný život v domě svého patrona, kardinála Fran-cesca Del Monte. Čas dramatických událostí v osudu umělce a jeho vášeň naplněný, boj světla a temnoty obrazů, které budou mít silný vliv na všechny evropské malby, ještě nenastal. Jeho obrazy jsou stále lehké a lyrické. Často hrají hudbu, stejně jako v prezentovaném díle, ve kterém se rozkvétající mládí a vznešené umění snoubí v harmonii.

Hudebník, který seděl na plátně se zády k divákovi, otevřel skóre. Na něm je viditelný nápis, který by měl přesněji vysvětlit, co se děje. Toto je častá recepce v dílech Caravaggia, ale nikdo dosud nemohl číst. Chlapec s rohem v pozadí je nejstarším z autoportrétů umělce, který se často zobrazuje ve svých obrazech, a toto je poslední autoportrét Caravaggia, ve kterém ho vidíme klidný.

V "muzikantech" můžete stále slyšet dech renesance. Ale v hustém a složitém složení díla, v zkroucených tkaninách oděvů a závěsů, se cítí napětí a mírné nervové otřesy, které odlišují umění baroka.

Malování Bacchus, Michelangelo Caravaggio

Caravaggio (1571-1610), stojící na počátcích baroka, namaloval tento obraz v ještě relativně klidném období svého života. Tedy volba tématu - Bacchus, řecký bůh vína a legrace, v jehož obraze mistr ukázal mladému muži s lehkým pohledem, jemným gestem natažení sklenky vína divákovi.

Jeho silné, svalnaté tělo je plné zdraví, na tvářích se hraje jemný červenat, rty jsou plné a baculaté a barva plátna zanechává pocit oslava. Ale ovoce ve váze před Bacchus není tak čerstvé: jablko je shnilé, je na něm červí díra. A listy hroznů v hrdinově věnce už mizí.

Caravaggio se nebál líčit život tak, jak je, pocítil jeho skryté drama, které se odrazilo v jeho budoucím umění, které ovlivnilo celou evropskou malbu. Umělec se k tématu starobylého boha vrátil ještě jednou, ale ve svém obrazu o fyzicky i duševně vyčerpaném nemoci napsal, že je nemocný (plátno „nemocný Bacchus“, které je uloženo v galerii Borghese v Římě).

Svatý Jan Křtitel, Michelangelo Caravaggio

Tato práce Caravaggia byla zřejmě jedním ze tří obrazů, které si vzal s sebou, a to z Malty do Říma v naději, že po vraždě přijme milost od papeže Pavla V. Umělec chtěl darovat tato plátna svému synovci, kardinálovi Shipione Borgheseovi, aby požádal za viníka před papežem. Malíř se nikdy nevrátil do Věčného města, když zemřel na cestě, ale zbývající plátno svědčí o stavu mysli, ve kterém byl. v posledních letech   života.

Svatý Jan Křtitel, který je od renesance často zobrazován ne jako zralý muž, ale jako mladý muž se ztrácí v myšlenkách. Jeho vzhled je naplněn smutkem a ani teplé světlo, které vylévá postavu ani červenou roušku, tento pocit nerozptýlí. Caravaggio začal s jasnými a šťastnými náladami, pak napsal díla plná vášní a ostrého dramatu a nakonec přišel k obrazu naplněnému tragickým pocitem bytí, který vytvořil na konci svého krátkého života. Umělecká tvorba reflektovala jeho vlastní životní cestu.

Obětování Isaaca, Michelangelo Caravaggio

Drama, které vzrostlo v díle Caravaggia v plném rozsahu, se projevilo v prezentovaném díle, tím více k němu tento příběh přispěl. Obraz byl napsán pro kardinála Maffea Barberiniho, jehož záštitu použil umělec. Vylíčil okamžik, kdy se biblický starší Abraham chystal obětovat svého syna Izáka, jak bylo nařízeno, aby zjistil hloubku své víry, Boha.

V nejkratším časovém období se Caravaggiovi podařilo vyhovět několika namáhavým činům postav: otec, který držel ruku svázaného syna za ruku, vztyčil nad ním nůž, syn křičel ze strachu, ale anděl poslaný Bohem zastavil Abrahama a ukázal mu na obětního berana.

Obraz je tak plný emocí, že i anděl vypadá ustaraně, a jehněčí s úzkostlivým pohledem přitahuje hlavu, jako by ho prosil, aby ho postavil na Isaacovo místo. Horizontálně rozkládající se kompozice rozkládá všechny činy postav v čase, nutí je a diváka k tomu, aby zažili drama zde prezentované ještě silněji. Není divu, že obraz baroka, předchůdce a jednoho z nejjasnějších představitelů Caravaggia, to bylo v podstatě napětí vášní.

Umělec však v určitém okamžiku nejen vykreslil lidské zkušenosti - šel dále a psychologicky je prohluboval. Tedy na tváři Abrahama se odráží vážná víra a otcovská láska bojující uvnitř něj. Krajina vrhající se do soumraku v pozadí zesiluje drama, ale město na hoře a světelná obloha zvýrazňují šťastný konec, který má přijít.

Večeře u Emmaus, Michelangelo Caravaggio, 1601

Krátce poté, co byl Kristus ukřižován a vzkříšen, šli Cleopas a jeho další bezejmenní učedníci do Mmu, vesnice nedaleko Jeruzaléma. Cestou se s nimi Ježíš setkal, připojil se k nim, ale cestující Ho nepoznali. Potom zůstal s nimi v domě, jak už bylo pozdě, a po ochutnávání jídla s nimi učedníci poznali Ježíše, ale on se jim stal neviditelným.

Inovační interpretace spiknutí činí z tohoto obrazu Caravaggia jedinečný fenomén. Kristus se v obraze objevuje jako bezvousý, vzrušení učedníků, kteří si uvědomují, že Mistr je před nimi, je vyjádřen výraznými gesty a výrazy obličeje. Kromě toho, Caravaggio dělá jasné zaměření na zátiší, který má symbolický význam. Tam bylo mnoho pokusů odhalit to. Kuře na talíři je interpretováno jako symbol smrti, černé hrozny také naznačují, a bílá je ztělesněním vzkříšení. Dalším symbolem vzkříšení je granát. Jablka v hodnotovém systému jsou „čtena“ dvěma způsoby: jako ovoce milosti a jako znamení původní hříchvykoupena Kristovou krví. Je pozoruhodné, že ve skutečnosti na jaře, kdy se děj odehrává, takové ovoce nemohlo být na stole. To jen dokazuje jejich symbolický význam.

Obraz "Dinner at Emmaus" byl napsán pro římského aristokrata a bankéře Chiriaca Matteiho. Pro jeho práci 7. ledna 1602 Caravaggio přijal 150 korun. Později dílo získal kardinál Scipio Borghese.

Smrt Marie, Michelangelo Merisi de Caravaggio

V tomto snímku, napsaném pro oltář římské církve Santa Maria della Scala v Trastaveru, dává Caravaggio, umělec-reformátor, svůj výklad tradičního plánu Nanebevzetí Panny Marie. Tradičně odchod ze života Panny Marie nebyl považován za tragédii, protože Panna Maria, která žila ve stáří, po smrti vystoupila do nebe a navždy se se svým milovaným Synem sešla.

Caravaggio viděl v tomto příběhu právě tragédii, která uvrhla apoštoly do hlubokého zármutku. Obraz odcházející Panny mluví příliš výmluvně o utrpení a smrtelné utrpení. Její tělo je napsáno se stupněm realismu, na který zákazníci nebyli připraveni, kromě toho, že umělcova blízká známost - dívka s jednoduchou ctností - sloužila jako vzor pro nejčistší Pannu. To byl důvod odmítnutí zákazníka z hotového obrazu.

Mučednictví apoštol Matouše, Michelangelo Caravaggio

Toto velké dramatické plátno bylo napsáno v letech 1599-1600. pro kapli Contrarelli v kostele San Luigi dei Francesi v Římě. Bezmocně zavěšené rameno světce a bizarně osvětlené postavy v popředí přinášejí diváka přímo na scénu násilí. Osvětlení dvou centrálních postav podtrhuje silný kontrast svalnatého těla popravčího a stařec bezmocně vyrostl na zemi v šatech kněze. Tělo Matthewa s rukama rozvedenými ve směru, jako by tvořilo kříž u nohou katy. Neviditelný kat, anděl, táhne palmovou ratolest, symbol mučednictví, který se snaží chytit.

ST. Matthew. Atributem apoštola Matouše nebo Leviho je anděl s křídly. Matthew byl sběratelem daní pro římské úřady. Jednoho dne se k němu obrátil Kristus a řekl mu: následuj mne. I vstal a šel za ním. Neexistuje žádný potvrzený důkaz o jeho pozdějším životě, ale legenda 2 říká, že kázal v Etiopii, kde král začal žádat o jednoduchou křesťanskou dívku. Matouš ho odsoudil za to, že zasáhl nevěstu Kristovu a jako výsledek zemřel mučednickou smrtí mečem. Mistři malby zobrazují Matouše zpravidla psaní svého evangelia, obvykle pod vedením anděla. S ním mohou být mince nebo peněženka - atributy jeho bývalého řemesla; ve Florencii byl Matthew považován za patrona měničů peněz a bankéřů.

David s hlavou Goliáša, Caravaggio

Silný, neomezený temperament, který se projevil v dílech Caravaggia, v životě často do něj zasahoval. „... na náměstí Campo Marzio,“ uvedl v roce 1606 trestní vyšetřovatel římské kurie v trestních věcech, „mezi čtyřmi muži na každé straně byl vážný spor. Vůdcem jednoho byl Ranuccio da Terni, který zemřel po dlouhém boji; druhá strana byla vedena Michelangelo da Caravaggio, malíř známý dnes, kdo je říkán k byli zranění, ale jeho místo pobytu je neznámé. (...) Incident způsobil hádku přes 10 děsů, které zesnulý porazil malíře. “ Caravaggio byl odsouzen k smrti v nepřítomnosti a uprchl do Neapole a pak na Maltu. Tam, blízko konce jeho života, on namaloval obraz, který líčí pastýře Davida s hlavou obra Goliath on porazil.

Z husté tmy se vynořil mladý muž, který držel v ruce odříznutou hlavu. To je věřil, že tvář obra je autoportrét umělce. Podobná technika - umístit vlastní obraz v dramatickém kontextu - byla uchvácena malířovým jmenovkou Michelangelo Buonarroti a vytvořila nástěnnou malbu „Last Judgment“ v Sixtinské kapli: na kůži, kterou drží v ruce, je natištěna umělecká hlava.

Caravaggio posílil pocit hořkého smutku, který vyzařuje z jeho obrazu tím, že se neobvykle rozhodl o obrazu Davida: vítěz sám vypadal poražený a díval se na své ruce s utrpením.

Obrázek Sick Bacchus, Michelangelo Caravaggio

První známky drama, které se vyznačovalo zralým obrazem Caravaggia, projeveným na tomto obrázku, napsaným po jeho pobytu v nemocnici. Poté, co strávil dlouhou dobu mezi životem a smrtí, se často na tento stav obrátil ve svých plátnech.

Ale zatímco téma křehkosti být mladý Caravaggio porazil s humorem: sám, ještě nezískaný z vážné nemoci, jak je vidět na bledé kůži, nazelenalá tvář, slabost ruky držící hrozen hroznů, on představil ve formě Bacchus. Řecký bůh vína a legrace sedí ve stejném oblečení, ve kterém ho malíř o pár let později na snímku v galerii Uffizi vyobrazí: bílý plášť ulovený tmavým pásem svázaným lukem. Pokud je však Bacchus na plátně Uffizi zobrazen jako zdravý, kvetoucí a pozvolně hraje konec svého křídla, pak je tento slabý a nemyslí na škádlení ani fandění nikoho. Na jeho hlavě je napůl vybledlý věnec, netkaný vůbec z vinných listů, jak by měl být. A to vůbec není Bacchus, ale smrtelník, který je oblékl.
Život, jak je, se svým utrpením, lidskou slabostí a pokusy zachovat se - to je téma, které se nakonec stalo vedoucím umělcem v Caravaggio. Skutečné drama se pak objevilo na jeho plátnech. Mezitím si žertoval na pozemskou přirozenost člověka a snažil se o něco víc.

Madonna Palafregnieri (Madonna s hadem), Michelangelo Caravaggio

sec: Michelangelo Caravaggio
   Vystaveno v muzeu: Borghese Gallery (Řím)
   Rok: 1605-1606

Obraz Matky Boží s Kristem a sv. Annou Caravaggiovou, kterou zadali papežští jezdci (z italského „palafrenieri“ - „podkoní“) pro hlavní oltář kostela sv. Anny v blízkosti katedrály sv. Petra v Římě. Druhé jméno obrazu bylo způsobeno tím, že zde je zobrazen had - symbol zla, který je pošlapán Marií a Kristem.

V katedrále bylo dílo mistra, jehož umění přesahovalo kánony, jen několik dní. S Caravaggiem se to stalo více než jednou, že kvůli nespokojenosti duchovních jeho díla opustila zdi chrámů a usadila se v soukromých sbírkách. V tomto případě byl obraz ve sbírce Shipione Borghese. Důvod, proč byla z kostela odstraněna, byl s největší pravděpodobností následující: umělec líčil Annu, Marii a Krista s takovou smělostí a realistickým přístupem k vytváření obrazů, jako by psal jednoho ze svých společných a chudých současníků.

"Věří, že ... nic nemůže být lepší, než sledovat přírodu," napsal jeho současný nizozemský umělec a historik umění Karel van Mander o Caravaggiovi zralého období. „Z toho je jasné, že neudělá jediný tah štětcem, aniž by se naučil život, který kopíruje a píše.“ Byla to však právě touha po pravdě života, touha přivést božské blíž k člověku, a to byla inovace Caravaggia, která vyvolala umění evropských umělců.

Caravaggio však skvěle věděl, jak scénu, kterou pojal, jako „skutečného barokního umělce“, který byl jedním ze zakladatelů. A jeho styl „tenebrozo“ (překládaný z italštiny jako „temný, temný“), kdy paprsek světla prochází temnotou a osvětluje postavy, posiluje okamžik divadelizace obrazu.

Malování Saint Jerome, Michelangelo Caravaggio

V tomto snímku, který napsal Caravaggio speciálně pro Schipione Borghese, umělec líčil sv. Jeronýma pro své vědecké práce.

Světlo vylévající neviditelným oknem vytrhne z temného červeného roucha svatého, hlavu se strmou, prominentní čelo myslitele, knihy, lebku ležící na stole. "Caravaggio ... získával stále větší popularitu každý den," napsal o něm životopisec Giovanni Pietro Bellory, "hlavně díky své barvě", který už není měkký a světlý, jako předtím, ale nasycený, se silnými stíny a často používal mnoho černé, aby se uvolnily formy. A před tím se začal zajímat o to, že na slunci nepropustil žádné ze svých postav, ale umístil je do uzavřené místnosti ... pomocí paprsku světla, který svisle spadl na hlavní části postavy, takže všechno ostatní ve stínu, aby světlo a stín dávaly ostré světlo efekt. Římští malíři byli touto novinkou potěšeni, zejména mladí ... "

Svatý Jeroným, jeden z otců církve, překladatel Bible do latiny, ponořený do čtení božské knihy, na čele - pečeť extrémní koncentrace, pero v ruce. Obraz vytvořený umělcem zároveň připomíná život hrdiny obrazu v poušti, kde se modlil a činil pokání ze svých hříchů, o čemž svědčí jeho roucho poustevníka. Lebka, jeden z atributů Jeronýma, ilustruje latinské slovo „memento mori“ - „pamatuj na smrt“, ale také symbolizuje vítězství lidského ducha nad smrtelným tělem. Mezi tímto symbolem a svatým je rozložená Bible jako cesta, která musí být přenesena ze života pouhého smrtelníka do výšin ducha. Horizontálně natažená kompozice, tak oblíbená umělcem, ukazuje na tuto dlouhou vzdálenost, ale ruka s peřím ji rozřezává.